El año de Ricardo, la desbocada historia de un empresario que escala al poder en forma de dictadura, se estrenó en el 2007 como uno de los primeros proyectos de la dramaturga Angélica Liddell, actual referente del teatro español contemporáneo y ganadora del León de Plata en la Bienal de Venecia del 2013. Entre el performance y las puestas en escena oscuras y mórbidas, Liddell ha montado una veintena de obras alrededor del sexo, la muerte, la violencia, el poder y la locura. Con ese, digamos, repertorio artístico, el texto de El año de Ricardo llegó siete años después al foro de La Fábrica y su director Alonso Barrera.

Además de la tropicalización del texto —pasar de España a México y añadir los guiños de nuestra ridícula política nacional—, El año de Ricardo es, en su primera lectura, una obra de proporciones minúsculas: dos actores, menos de cuatro muebles que se intercambian entre escenas (capítulos) y el vertiginoso monólogo de Ricardo que, entre periodos de euforia y depresión, construye la historia y el escenario. En su segunda lectura, la obra es explosiva, barroca, recargada, cuidadosamente inestable; una vaga versión contemporánea del Ricardo III de Shakespeare: deforme, bufón, infantil y siniestro. Lo mismo hace un berrinche a un grupo de niños —«¡El carro de combate es mío! ¡Mío! ¡Mío! ¡Mío!»—, demanda ante un auditorio infestado de políticos de izquierda y derecha —«Entonces, ¿merezco un partido o no lo merezco? ¿Qué partido me vais a dar?»— o explica con rabia a unos espías —«Sólo os acordáis de los judíos porque los muy cretinos se pusieron a escribir. Sobrevivieron y se pusieron a escribir»—; todo un lenguaje basado en la violencia verbal y gestual, encarnada por la actriz María Aura que, entre la locura y la certeza, interpreta a Ricardo como un hombre voluble hasta los huesos, de furia irrisoria, a punto de estallar en una mirada o una mueca prolongada, falsa y agresiva.

El año de Ricardo es para el foro de La Fábrica el resultado de una clara obsesión con los textos de Angélica Liddell, la culminación de un proyecto personal, cuidado hasta el más mínimo detalle: desde el vestuario y maquillaje hasta luces y sonido. Una inesperada vomitada de palabras bestiales, entretenidas, humanas y con potencia política. De esas veces que estallas en risa sin darte cuenta que la tragedia del chiste es uno mismo.

En Querétaro, las artes escénicas son ya un referente de nuestra cartelera cultural. Cada año, la ciudad se transforma en un gran escenario urbano donde las calles, plazas y foros de la ciudad albergan al Siguientescena, un festival alrededor de obras, interpretaciones y coreografías nacionales e internacionales.

Para su séptima edición (del 10 al 17 de agosto), el Siguientescena viene con todo. Como muestra, presentamos sus cinco eventos destacados:
 
1. Gala de solistas
Plaza de Armas / 20:00 h / Dom 10 y Lun 11
Una recopilación con espectáculos individuales en danza y acrobacia con talentos nacionales (como la contorsionista Claudia Alegría) e internacionales (como la coreografía interpretativa del neoyorkino Bryan Arias).

2. La vida es sueño: teatro de ciertos habitantes
Teatro de la Ciudad / 20:00 h / Mar 12
Una monumental puesta en escena alrededor de La vida es sueño de Pedro Calderón de la Barca. La interpretación contemporánea del drama litúrgico y el auto sacramental.

3. Elton & Frank
Cineteatro Rosalío Solano / 18:00 h / Dom 16
Desde Lyon, Francia, una coreografía basada en la doble percepción, los malabares, la magia y la danza interpretativa. Presentado por Elton, un artista ucraniano reconocido por su labor dentro de las artes circenses europeas.

4. Creación Colectiva
Plaza de Armas / 20:00 h / Sab 16
El clásico del festival: 19 artistas de distintas nacionalidades son dirigidos durante cinco días para crear un espectáculo donde, más que el idioma, lo importante es el lenguaje corporal.

5. Bomba Estéreo en concierto
Plaza de Armas / 21:30 h / Dom 17
Para clausurar el guateque escénico, los colombianos de Bomba Estéreo presentarán en el corazón de la ciudad su explosión de música electrónica, reggae, rock, cumbia y hasta champeta; el baile fuera del escenario.
 
Para más información, entra a www.siguientescena.com o consulta el programa completo aquí.
 

En México, una opinión común identifica el hecho de «ser de provincia» con lo limitado, precario, marginal, periférico e invisible. Es fácil oír a un «chilango» hablar de «provincia» como si fuera una sola tierra que se extiende más allá de los límites del DF —sí ocurre, créeme—; algo así como el Estado de México y sus alrededores. Un estado de la República se identifica en automático por sus productos turísticos típicos: gastronomía —«primero lo primero»—, folklor, artesanías y «sitios de interés». En el DF, en cambio, sí parece haber de todo. Este es el laurel donde muchos capitalinos —y otros wanna be mainstream— duermen su siesta.

Estoy hablando de «gente» en general, pero es insólito encontrar cómo en la academia, en las aulas donde se estudian teorías críticas, y círculos artísticos e intelectuales más específicos, también se piensa y actúa con esta miopía. Tengo la experiencia de Aguascalientes y el DF, sobre todo.

En el DF, es un hecho extraordinario que alguien de «afuera» presente algo «interesante» o «competitivo» y cuando ocurre se piensa, a secas, como excepciones en sus Estados. ¿O sea, cómo? Sí, lo normal es que no haya voz fuera del DF —u otros centros— y cuando hay, se celebra como un hecho milagroso sin profundizar en los contextos porque, en efecto, no interesan en lo más mínimo.

Lo cierto también es que en el «afuera» también se acepta un asfixiante referente de autoridad a partir del propio uso del lenguaje. Desde «provincia» la tierra de las oportunidades es el DF o ciudades similares. Es decir, si Querétaro está teniendo visibilidad, se dice que es «casi como el DF» y así, hay una cadena de dependencias: Zacatecas es «casi como» Aguascalientes y éste no llega a ser Guadalajara. La mirada se orienta hacia «el otro» en vertical, sin hacer el mismo ejercicio hacia adentro y tampoco entre pares de forma horizontal.
 

¿Dónde están los oaxaqueños, la crítica y Bacon?

Oaxaca organizó en 2011 un coloquio nacional intitulado Germinar: primera tanda de diálogos horizontales, que reunió a profesionales del arte del país para «dialogar» sobre espacios, producción, educación y crítica de arte. Asistieron representantes institucionales del DF, Monterrey, Guadalajara y para de contar. No hubo participación ni siquiera oaxaqueña en las mesas. No sólo fue visible esta ausencia, sino también que los pares a nivel interregional realmente no dialogan, ni existe tal horizontalidad. ¿Entonces de qué estamos hablando? ¿De reproducir los esquemas hegemónicos que fervientemente señalamos?

En el Seminario de Crítica de Arte de Campus Expandido del MUAC, el año pasado se lanzaron preguntas como: ¿Qué leemos de crítica de arte? ¿Qué medios —periódicos, revistas etc.— se consultan? ¿Quiénes escriben sobre estos temas, en todo el país? La lista hecha en conjunto no superaba los dedos de la mano. Hubo quejas sobre los pocos medios existentes, y se asumió que en «provincia» no se produce gran cosa. Se aseguró que no existen espacios, porque de lo contrario serían «conocidos». Esta preocupación es un disparate reduccionista y al mismo tiempo evidencia las limitaciones de difusión del arte actual en el país. Claro, es obvio que esta persona esperaba que le llegaran revistas a su puerta sin mover un sólo dedo. Pero más allá de este absurdo, no deja de ser cierto que gran parte de los proyectos valiosos de «fuera», y algunos de «dentro», no alcanzan una proyección extendida ¡Hay que buscar más detalladamente! Pero, lo más grave es que allí habíamos varios que escribimos y no nos leíamos unos a otros.

En diciembre de 2012 en el Museo de Aguascalientes se exhibió una importante muestra de dibujos inéditos de Francis Bacon en su única aparición en el país, antes partir a China. Los dibujos de Bacon… activaron una exaltada celebración política en el Estado. Ciertamente, es tan raro que en esta ciudad ocurra un evento de tal magnitud que, ni antes ni después, se ha visto nada similar. Recuerdo cómo Umberto Guerini, en su introducción a la muestra, nos contagiaba de su entusiasmo, al afirmar que las dinámicas de centros-periferias del arte ya estaban superadas, que ese día Aguascalientes era un centro del arte importante en el mundo. Todos aplaudieron entusiasmados y se sintieron orgullosos de ser hidrocálidos mientras iban sobre el coctel y esperaban que la comitiva política del Estado desocupara la sala para ver las obras. La razón de haberse presentado esta exposición en esa ciudad —y no en otra— fue arbitraria. Se debió a un contacto personal de una «copetona cultual» —típicas— que se ofreció a cuidar las obras por un tiempo en su casa y tuvo la ocurrencia de exhibirlas, de paso. Claro que este hecho tragicómico, en lugar de ser un síntoma de un movimiento de cambio mayor en la región, no hizo más que evidenciar la desconexión de estas «iniciativas».

Intentar atar estos cabos es emocionante pero también trabajoso. Son muy frágiles los vínculos e intercambios a nivel país. Pero no hay más responsable que nosotros los pares. No nos miramos unos a otros y por ello aunque sí sabemos —no cabe duda de que sí existen— de propuestas aisladas que rompen las inercias no se crea una red que le dé fuerza y consistencia.

Llevo varios años dándole vueltas al asunto este de «ser de provincia», al justificante comodino de un país centralizado; que no hay recursos para proyectos artísticos —claro «recursos» se limita en estas pláticas lamentosas a «dinero del estado—»; que no hay espacios de exhibición para «jóvenes creadores»; el mito de «las oportunidades» y su ubicación geográfica. En fin, una cadena de pseudoargumentos que justifican la inmovilidad de las ideas y el adormecimiento creativo.

¿Qué es eso de ser de la periferia o del centro del país y cómo se vincula a la productividad de las industrias culturales? ¿Una culpa, victimización, una miopía? Sí, para mí, todas juntas. No nos preguntemos por las fronteras impuestas por un mapa y sus políticas hostiles, cuestionemos nuestros propios límites y en qué medida estos coinciden con ciertas cartografías hegemónicas de las cuales todos nos quejamos.

Hagamos algo, en lugar de victimizarnos y depender de un poder paternalista, demos sentido a nuestros contextos, trabajemos en conjunto, generemos nuevos espacios y constelaciones que pongan en conflicto estas dicotomías estériles de la territorialidad y las relaciones de poder. Así puede ocurrir que Bacon itinere a otras ciudades y los oaxaqueños, por fin, aparezcan en su tierra. Nuestro tren no es ya el de Novo, crucemos la frontera despiertos.

Llegado el momento, uno descubre que no hace falta perder el tiempo en una batalla que se libra entre una butaquería de fantasmas y la solicitud a un extraño para que deje de hacer lo que sea que esté haciendo y venga a escuchar una historia que, de otro modo, apenas y se compartiría. Algo verdaderamente malo debió haber pasado para que decidiéramos un día dedicarnos a este oficio en vez de ser carniceros o médicos. Como dramaturgos, un día descubrimos que abandonar la batalla significa trabajar en lo que trabajaríamos si trabajáramos (como dice Vila-Matas que dice Duras sobre la escritura). No vale la pena pelear por un público con un gusto determinado, sino ocuparnos de otro –el nuestro– con criterios propios; esperando que un día, contra todo pronóstico, los primeros den un salto que consideramos cualitativo y descubran que el teatro, además de entretenimiento, puede ser el umbral para que la ficción nos revele cosas de nosotros mismos.

Querétaro es escenario de un buen número de festivales para las artes escénicas; entre ellos, uno que ha contribuido de manera decisiva para poner a esta ciudad en el mapa del teatro mexicano: el Festival Nacional de la Joven Dramaturgia, el mayor escaparate para autores noveles en el país. La ciudad cuenta, además, con prestigiosos premios literarios convocados por el Instituto Queretano de la Cultura y las Artes, como el Premio Nacional Manuel Herrera de Dramaturgia. Esta cercanía con el teatro ha contribuido a que los creadores de la ciudad, además de participar en una labor constante, estén cerca de las nuevas letras que para la escena se escriben en todo el país. Detrás de la creación del festival y de la consolidación del premio, está un nombre, el de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM), quien nos enseñó a escribir al tiempo en que buscaba nuevas formas y estructuras en una dramaturgia poblada por personajes que intentan verbalizar un mundo que no entienden.
 

No se puede decir que Querétaro sea cuna de dramaturgos porque Querétaro, ciudad de paso por antonomasia, distribuidor vial del centro del país, no puede ser cuna de nada. De los nombres importantes para la dramaturgia nacional que se ostentan queretanos, raros se puede decir que hayamos nacido ahí. Pero Querétaro es, sin duda, un buen lugar para hacer teatro y para escribirlo.

~LEGOM en la revista teatromexicano.com.mx

Como él, otros directores, autores y teóricos que hicieron de éste su sitio, nos pusieron contra las cuerdas de la comodidad al tiempo en que se ocupaban del perfeccionamiento de su trabajo. Gracias a ellos, hoy esta ciudad puede presumir de una buena salud –catártica– en la constante cantidad y fluctuante calidad de teatro. No amanecimos un día y encontramos a una tropa ejerciendo el reducto de comunidad que es el teatro como mecanismo contra la barbarie. Para que hoy encontráramos una generosa cartelera hizo falta que algunos vinieran a este cruce de caminos y nos señalaran con el dedo todo un cielo estrellado. Fue entonces cuando dejamos de apuntar nuestros telescopios contra otros lentes buscando no sé qué en su reflejo.

En esta ciudad hay, por ejemplo, en la nada despreciable colección del Fondo Editorial de Querétaro, un buen número de obras que ya son parte indispensable para conocer el panorama mexicano actual; obras firmadas por Edgar Chías, Enrique Olmos de Ita o el propio LEGOM.

El otro gran premio nacional de dramaturgia tiene por nombre el de otro queretano: Gerardo Mancebo del Castillo, a quien la perra vida le arrancó los pies del escenario y del mundo demasiado pronto. Gerardo fue autor de obras como Las tremendas aventuras de la capitana Gazpacho, Rebelión y Mamá Gorka, piezas que aún siguen esperando formar parte de una Obra reunida que se ha quedado a medio camino en su edición.
 

 
En casi cualquier sitio hay teatro, sólo basta señalar en el mapa con círculos rojos aquellos lugares donde podemos encontrar propuestas que se componen de algo más que de trazos y luces. El primer círculo sin duda sería el antiguo convento de Capuchinas: el Museo de la Ciudad, que puede presumir de una calidad constante en las propuestas que alberga. Este museo es el sitio habitual de Uriel Bravo y Leonardo Kosta, directores que han contribuido a situar a Querétaro en el mapa. Ahí también, cada tanto, Omar Alain Rodrigo deja de lado la programación de su adorado dramaturgo sueco –Strindberg– y lleva a escena obras de autores contemporáneos como el mexicano Luis Santillán o el argentino Daniel Veronese. El Museo de la Ciudad es también el sitio que recibe constantemente, en su foro de usos múltiples, presentaciones de grupos del resto de país con un calendario apretado; y que, al mismo tiempo, permite presentarse a diversas compañías que han optado por escribir sus propios textos, firmados por una o más personas, como el caso de Imaginartes, Barón o El Centauro Mecánico, entre otras compañías.

El resto de círculos en nuestro mapa podrían situarse en espacios como el Cineteatro Rosalío Solano, donde uno puede decidirse por ocupar la medianoche en conocer el trabajo de un experimentado director como es Agustín Meza; o en la Casa de la Cultura Ignacio Mena Rosales que, situada en pleno 5 de Mayo, abre sus puertas para los más noveles creadores de la ciudad; o bien apostar por la oferta que alberga una nave industrial convertida en centro cultural como La Fábrica, ubicada en la colonia Álamos, donde Alonso Barrera suele ofrecer, además de su programación habitual, trabajos duros e inteligentes que refrescan a la escena queretana (yo, por ejemplo, sigo sintiendo un escalofrío por la memorable Iluminaciones [0] de Hugo Alfredo Hinojosa que hace años dirigió el joven director queretano). Así mismo, los foros de la Facultad de Bellas Artes, en el Centro Universitario o en el centro de la ciudad, permiten conocer la labor de los creadores emergentes que, con la prisa por hacerse de un nombre, ofrecen de manera constante un panorama de propuestas que de otro modo difícilmente llegarían a presentarse.

Si uno levanta la cabeza, hallará su mapa rayoneado con círculos rojos por aquí y por allá. De esos treinta espacios presumibles, uno puede dibujar unos cuantos círculos entorno a rincones, a espacios para la ficción. Puede entonces uno pensar que el panorama es inmejorable, que el teatro es una más de las disciplinas consolidadas en la región. Pero no seamos ingenuos: aún no aprendemos a ponerle nombre a las estrellas. La consolidación viene con el trabajo, y ése está, pero aún falta mucho para poder tomarnos en serio sin pasar por ridículos cuando en el futuro recuerden que quisimos balbucear nuestro nombre entre un griterío.

Hace falta hallar el camino entre esos círculos que como islas dispusimos en el mapa: hace falta, por ejemplo, que los creadores en formación se ocupen de cubrir lo que las aulas universitarias ni siquiera consideran, que los profesionales acudan a conocer lo que sus contemporáneos hacen a unas cuadras de su espacio, que los directores dirijan actores y no transeúntes, que los actores se ocupen de pensar su trabajo sin que eso signifique renunciar a la entraña, que comience a haber una verdadera crítica y no un rastro de rencillas personales; como también hace falta aprender que escribir para el teatro no significa solamente estar al borde del escenario acomodando palabras, y que dirigir no es una cosa vertical que puede hacer cualquiera. Sólo así, puede entonces uno colgar un letrero de obra en construcción sin pensar que los caminos se trazan solos.

XII Festival de la Joven Dramaturgia

En Querétaro, desde el 2003, el Festival de la Joven Dramaturgia presenta en escena una muestra representativa del teatro contemporáneo mexicano. Es un espacio que ha permitido la aparición y consolidación de las últimas generaciones de dramaturgos en este país.

Del 15 al 20 de julio
Museo de la Ciudad
Santiago de Querétaro
Facebook: Festival de la Joven Dramaturgia
 

 
Soy P. y soy galerista en y de provincia. Mi trabajo en el Mundo del Arte (MA) comenzó hace algunos años, cuando mi sueño de estar a cargo de un espacio que expusiera arte se hizo realidad. Me contrataron para dirigir una galería y acepté con mucha ilusión. Pero el sueño terminó cuando me di cuenta que no entendía bien cómo funcionaba el MA. No sabía por qué nadie venía a mis inauguraciones y porqué, cuando venían a hablar conmigo, todos se fijaban en mi ropa y me preguntaban qué había estudiado y cómo había llegado a dirigir una galería.

Un amigo me recomendó leer Manual de estilo del arte contemporáneo: la guía esencial para artistas, curadores y críticos de Pablo Helguera. Luego de reflexionar un poco (en el arte contemporáneo hay que siempre reflexionar un poco), me decidí a hacerlo y su lectura me ha dado la oportunidad de reconocer mi potencial como galerista de provincia. También me ha dado la seguridad para atreverme a hablar con galeristas de otros estados, del DF e incluso me he atrevido a acercarme a artistas y coleccionistas de renombre, ¡ay!, internacional. Estoy segura de que si pongo en práctica los consejos que contiene esta guía, podré tener más claro cuál es el camino que debo seguir para alcanzar el éxito en el MA.

A través de sencillos capítulos y ejemplos de situaciones de la vida cotidiana –y una buena analogía con el juego de ajedrez, que no sé jugar bien pero aún así es útil– he podido adivinar cuál es mi posición en el MA y cómo puedo moverme con destreza dentro de este interesante juego.

En un principio me resistí a aceptar esta simplificación de un proceso tan complejo y sensible como el arte, pero luego entendí que si analizo y entiendo su estructura desde esta perspectiva, sabré usarla mejor a mi favor.

Por ejemplo, antes de leer este libro, cuando venía a visitarme algún coleccionista o algún artista, yo los atendía de manera amable y pronta; si quedaba algún compromiso o pendiente luego de la reunión, me apresuraba a llevarlo a cabo y notificaba a los involucrados sobre los avances. Los resultados eran suficientes, pero nunca buenos. Ahora sé que, al enfrentar estas situaciones, un poco de arrogancia es una virtud: un poco de racismo por aquí, un poco de namedroppeo por acá y las piezas de arte se mueven como pan caliente.

Las sencillas gráficas que se incluyen en el libro han sido también muy reveladoras. La imagen que se incluye en el capítulo Del Vernissage al lecho: la interacción social ha sido mi guía para desenvolverme en las inauguraciones (en las propias y en las ajenas). Evado a los críticos, saludo a los coleccionistas (en estricto orden de importan$ia) y abandono el lugar antes de que el espacio esté semivacío, no vaya a ser.

Ahora siento que puedo ir a cualquier galería o museo y comportarme a la altura, visitar estudios y hasta aprovechar la controversia y las tragedias sociales que se dan en ésta, mi querida ciudad, para llegar hasta la cima.

Gracias, Pablo Helguera, por tus consejos. Con tu ayuda me convertiré en la mejor galerista de provincia del MA mexicano. O de menos del Bajío.
 

 
Nueve es un movimiento de arte urbano que incentiva la participación ciudadana hacia la apropiación de los espacios y las tradiciones públicas. Surge de la empresa Incusa y está patrocinado por pinturas Osel.

En Nueve nos dedicamos a crear un diálogo urbano entre polos opuestos: entre graffiteros y autoridades, entre conservadores y muralistas de arte urbano, entre la familia con su hogar y el graffitero que les taggea su casa en la noche. Es esta alquimia social de juntar distintas personas y crear algo bello a partir del diálogo que salga entre ellos. El resultado es algo que impregna y demuestra la esencia de las personas que viven detrás de muros.
 

Encontrar la maravilla dentro de lo cotidiano

Para nosotros el arte urbano es una especie de arte contemporáneo, algo que está creciendo y desarrollándose en este momento. Es el resultado de todo lo que sucede en una urbe y se expresa en las calles. Ya no se necesita a una galería o a un museo para exponer un trabajo. Los artistas están ya tomando las calles y teniendo más difusión de su trabajo.

El arte urbano no solamente es graffiti o no solamente es skate art, tiene un montón de formas para desarrollarse: hay circo, instalaciones, wet face, fotografía, video… hay un montón de expresiones urbanas. Nosotros nos estamos enfocando en el muralismo porque son los medios que tenemos a la mano. Incusa, que son los distribuidores de las pinturas Osel, están patrocinando todo este movimiento. Gracias a Incusa podemos desarrollar este proyecto, y gracias a Osel nos enfocamos en el muralismo.

Con el muralismo sacamos más cosas además de murales: talleres, documentación, festivales, activaciones para que la gente salga y conozca el arte urbano. El sueño de Nueve es encontrar la maravilla dentro de lo cotidiano: caminar por las calles y ver que la gente que conoces de repente ya expresó su vida en un mural, o ver que la gente que conoces está haciendo un performance, o ver que tus amigos están en un taller para ver si hacen un huerto urbano o hacen una intervención urbana o hacen algo. Impulsar la participación urbana entre vecinos, ese es el motivo o la razón por la que hacemos esto.

En las urbes vivimos muy sistematizados, viviendo día a día la selva de asfalto: de la casa a la chamba y de la chamba a la casa. Querétaro está creciendo, ya no es tan fácil desplazarte, cada día pasas más tiempo en el auto. En ese auto pasan muchísimas cosas, y si puedes percibir arte a tu alrededor y romper así con la cotidianidad, pues está excelente. Por eso decimos eso de encontrar la maravilla dentro de lo cotidiano.
 

Arte urbano: museos callejeros

Hay muchas categorías de arte urbano. A uno le puede significar Diego Rivera y a otro le puede significar el tagg que le aventaron ayer en la noche en la fachada de su casa. Esa ambigüedad es muy grande, causa mucho conflicto. Nosotros buscamos siempre incluir a todos. Porque no sólo hacemos graffiti ni sólo hacemos murales ni sólo hacemos facetings. Queremos participar en todos los rangos del arte urbano.

El concepto de museo callejero conjuga (y conjuega) con dos palabras que podrían ser opuestas: «museo», que es ampliamente aceptado en el mundo artístico, y «callejero», que inclusive tiene un carácter despectivo. Al juntar esas dos palabras, «museo callejero», se crea algo atractivo, algo que podemos representar con este proyecto.

Hacer algo en la calle es hacer arte efímero. Se lo das a la gente y la gente decide qué hacer con eso. No podemos decir «es nuestro, no lo toques», porque está fuera, es público. Justo de eso se trata nuestro trabajo: de manejar estos diálogos urbanos.

Por un lado tenemos, por ejemplo, un mural que llega a la Zona Maco –el de Miguel Valiñas que se expuso en el stand de la galería Casa Gutiérrez Nájera–, y al mismo tiempo tenemos otro mural que está dialogando con los graffiteros del barrio de La Cruz –el mural de Cyrielle Tremblay que fue graffiteado y luego restaurado. En Nueve creamos plataformas para artistas jóvenes y tratamos también de crear puentes para que distintas personas sientan empatía por el otro. Que los graffiteros se den cuenta que usar el pincel no es tan fácil como ellos creen, y que los muralistas sepan que no es tan sencillo hacer un graffiti.

Nos han dicho que estamos haciendo de Querétaro Ciudad Neza. Creemos que no, que esto es arte. Con los murales estamos de alguna forma contando la historia de la ciudad. Con el muralismo urbano tratamos de facilitar una conversación gigante en Querétaro. Tratamos de incluir todas las opiniones y tratamos de darle un espacio a todos.

El arte es un lenguaje. En Nueve buscamos personas que puedan narrar las historias que suceden en distintos espacios. Cada vez que alguien pasa por un lugar y ve un mural, está leyendo una historia particular. Ese lenguaje sensibiliza. Y después de unos años puede unir. Se vuelven nichos o se convierten en hitos. Por ejemplo, personas que dicen: «sabes qué, nos vemos en la esquina donde está el mural de Quetzalcóatl». Ahí es cuando los espacios empiezan a ser personajes. Es justo lo que decíamos de lo cotidiano: empiezas a ver que existe arte en espacios públicos y luego los empiezas a relacionar.

A veces nos lo dicen: los murales reactivan ciertas áreas y las personas se reconocen en ellos, pues son invitadas a participar en la creación del mural. Es un trabajo artístico y social. Colectivo.
 

Los murales urbanos crean vínculos sociales

Tenemos muy claro que tenemos un proyecto incluyente. Vemos al arte como una esperanza de cambio. Nos interesa llegar a todas las partes donde se pueda llegar, desde un muro en un vecindario hasta una galería o un foro de arte contemporáneo.

Uno de los objetivos principales de Nueve es crear vínculos sociales. Impulsar empatía entre todas las distintas personas que viven en la urbe. O en aquellas que chocan mucho. Crear convivencia y provocar reacciones. Y crear algo más a partir de esas reacciones.

Hay conflictos muy interesantes. En Hércules, por ejemplo, un artista cuyo número favorito es el 11 llegó a dos casas que estaban peleadas porque ambas compartían el número 11. Las familias estaban peleadísimas por un número. Llegamos con un artista urbano e hicimos un mural junto con ellos. Juntamos las dos fachadas en un mismo mural. Los temas de una familia se expresaban en el muro de la otra familia. Y pintamos un 11 muy grande en un submarino amarillo que pidieron. Ya los dos tienen su mural 11. No arreglamos la situación, con un mural no hicimos que ahora se quieran un buen, pero por lo menos ya se hablan. Sus casas están unidas por un mismo mural, ya sienten una conexión. Con el arte sí barres un poquito los problemas. El arte sensibiliza.

Cuando la gente se reconoce en un mural, también reconoce la problemática de su entorno y puede por consecuencia buscar soluciones. Son las cosas que crecen alrededor de un mural o un graffiti.
 

¿Qué muro o colonia intervenir?

Escogemos los espacios donde hay movida de graffiti o arte urbano, donde está ya ese lenguaje. Así determinamos ciertos sectores o colonias. Hércules, por ejemplo, que además tiene mucha historia y tradiciones bastante sólidas.

También nos fijamos en la densidad, la demografía y otros aspectos urbanos de una u otra colonia. A veces encontramos mucha población, pero muy pocos espacios para intervenir a nivel mural. Entonces, en esos casos, requerimos de la ayuda de los colonos.

Nos queremos mover a todas esas partes donde se pueda encontrar lugares donde incentivar, porque el arte urbano incentiva los lugares, cambia el flujo de la gente; las personas prefieren pasar por donde hay un mural, y al pasar por ahí se incentiva el lugar. Se transforma.

Con los urbanistas con los que trabajamos vemos por dónde pasa la gente, cómo se mueven las personas, vemos indicadores que nos pueden ayudar para ver dónde se pueden ver más los murales. Los urbanistas son como nuestros curadores en este museo de arte callejero.

Queremos invitar a todos a participar en Nueve Arte Urbano: ¿dónde ven posibilidades de hacer un mural? Queremos ser súper inclusivos. Nosotros no venimos a enseñarle nada a nadie. Queremos que la gente nos diga qué es lo que piensa y tratar de facilitar todo lo que los queretanos quieren.

 
Me parece que la palabra pasó por la misma transición. Primero estaba el agua, ahí, sin ser nombrada. Olas, ritmo, reflejo, fluidez, continuidad, consistencia, viscosidad. Toda el agua sin ser agua. No había un vocablo que la nombrara. Imagino una evolución de años para que los sonidos guturales, los gritos y los gemidos se convirtieran en el sonido agua. Gemidos que cambiaron entre región y región y que se convirtieron en diferentes sonidos: eau, water, aqcua.

Las palabras son poemas: abstracciones de la realidad. Olvidamos luego ese proceso y todo comenzó a ser más complejo. Nacieron los sinónimos, las oraciones, los idiomas. Olvidamos que agua fue una imagen y se convirtió en concepto. Encontramos la necesidad de hacer poemas, de ver la cotidianidad de manera diferente, de detenernos a reflexionar sobre lo que nombrábamos, de volver a la imagen.

Los poemas entonces se depuraron. Fueron dos o tres líneas o dos o tres palabras. Haikus, Monterroso, Pacheco. Los poemas volvieron a ser palabras y las palabras volvieron a estar conectadas con lo que describen.

El happening es el poema del arte; tal vez la palabra del arte que se expone en museos. Creamos la imagen, depuramos las técnicas, exploramos la luz, la perspectiva, la textura, los colores. Luego, destruimos lo aprendido. Volvimos a las formas básicas, nos salimos del lienzo, lo invadimos, lo ensuciamos, lo rompimos y siguió sin ser suficiente. Habíamos olvidado que el arte era una forma de estar en el mundo y no un mundo. Allan Kaprow se dio cuenta y quiso volver: mezclar el arte con la vida. O regresar al arte a donde pertenecía: recordar que el arte fue una representación de la realidad: una palabra.

Ensayo sin título y otros happenings es un compendio de guiones de happenings que sucedieron en la década de los sesentas, un par de textos que explican de manera clara y sin pretensiones la idea de arte de Kaprow y una introducción iluminadora de Luigi Amara.

Cada happening descrito en el libro crea imágenes poderosas (como un poema), humorísticas y tan llenas de extrañeza que parecen cotidianas: una chica bailando twist a la mitad de un estacionamiento, un tipo estrellándole hongos en la boca a una chica con camisón transparente, un baile de choferes que se salen de sus autos para meterse al auto contiguo. Cada happening se titula con una sola palabra. Cada happening nos recuerda que los complejos andamiajes del arte representan algo tan cercano y sencillo –y lejano y complejo– como la realidad.
 

Usamos la palabra «zona» para delimitar una superficie, encuadrar cierta geografía en sus términos y características. Zona Maco tiene, también, límites invisibles: el acento intelectual, los asistentes (casi) uniformados, el blanco de los stands, las obras sobrevaloradas y el aire de suntuosidad. La feria es una frontera entre el paisaje defeño y el arte moderno, la barrera entre una alfombra polvorienta del Centro Banamex y un espejo que se vende en libras. La curaduría más grande del evento son esos límites que filtran, seleccionan, enfocan y definen al visitante.

Los demasiados visitantes: pantalones entubados, señoras en busca del nuevo adorno, los artistas emergentes con sus lentes de pasta, las playeras holgadas, los curadores de traje y corbata, los empleados de las galerías sentados en el aire acondicionado, las barbas, los mirones, los apreciadores, los familiares, las activaciones publicitarias y los medios impresos; la feria como un montón de personajes reunidos –o colgados– alrededor del arte.

Siempre dicen que el arte contemporáneo es subjetivo, y esa parcialidad se multiplica en Zona Maco: la feria de los inconformes, de los muchos puntos de vista, del pedazo de cartón que le gusta a uno pero al otro no. Pero dentro de todo eso no existe la clásica presunción, no se mira al de a lado con desdén, nadie fuerza la compra, todos explican la obra con gusto y satisfacción. Quizás, como evento público, la industria artística enseña su cara menos pretenciosa, más amigable, dispuesta y ordenada.

Zona Maco no es la mejor muestra de arte de Latinoamérica, es la más grande. Y ese adjetivo mayúsculo la convierte en una feria digna de visitar: por su monumental organización, por el desmedido vaivén de artistas y espectadores, por su enorme catálogo, por los extensos pasillos y, sobre todo, porque nos acerca –de manera colosal– a esa extraña figura que es el arte contemporáneo.
 

«Se derraman más lágrimas por las plegarias atendidas que por las no atendidas», dijo Santa Teresa de Jesús. Rafael Rodríguez pintó en 2007 una serie de retratos titulada Plegarias atendidas. Su trabajo reciente es quizá más profundo, desgarrador y fascinante, pero fue esa serie la que lo confirmó como un pintor relevante y definió su tema recurrente: los tremendos marismas, el imponente paso del tiempo y el profundo desencanto del ser humano contemporáneo. Su trabajo ha sido reconocido por la National Portrait Gallery (Londres). www.rafaelrodriguez.com.mx
 

2 > Kikyz 1313 (Querétaro, 1988)

Laura Lucía Ferrer Zamudio apenas alcanza los 25 años, pero compone imágenes como si hubiera vivido, observado y analizado todo, desde siempre: dibuja cadáveres, niños y animales desmembrados con liado detalle y los envuelve en flores, composiciones seductoras y una técnica impecable para estudiar lo infame. Disfraz de belleza con contenido desgarrador que invita al espectador a detenerse y, una vez cautivo, participar y entender desde el delirio. Kikyz 1313 fue seleccionada en 2011 para la Bienal Nacional Artemergente en Monterrey. www.1313.mx
 

3 > Omar Benítez Favela (México DF, 1978)

Lo que más apreciamos de la obra de Omar Benítez es su levedad y su sentido del humor. Algo evidente desde el título de sus obras y exposiciones, por ejemplo: Panoramik: qué bonito es casi todo, El hombre más feliz, Sólo sé ladrar. Omar Benítez conjuga (conjuega) distintas técnicas y tradiciones estéticas (plásticas y gráficas) para formar cuadros ingrávidos y cautivadores. pinturaomarbenitez.blogspot.mx
 

4 > Gonzalo García (Puebla, 1985)

Para describir el trabajo de Gonzalo García, podríamos decir que es el Lucien Freud del Bajío. Podrá sonar vano y falso, pues, para empezar, Gonzalo García nació en Puebla. Pero estudió en San Miguel (en el Instituto Allende), ha pintado gran parte de su obra desde Querétaro y sus preocupaciones estéticas son similares a las del artista británico: retratar la carne (el trato con la carne), el escurridero contenido, la carne desparramada en una pintura consistente; el cuerpo humano como ciénaga, como mucosa; una pintura mórbida, turbadora, tierna y carnada. Humana. gonzalogarcia.carbonmade.com
 

5 > Miguel Ángel Garrido (México DF, 1982)

Miguel Ángel Garrido estudió, como Gonzalo García, artes visuales en el Instituto Allende. Desde entonces vive en San Miguel. Pinta –con un manejo de la luz sugestivo, armónico y casi hipnótico– mujeres desnudas, óleos pornográficos, retratos en movimiento, paisajes naturales, acuarelas sobre perros, imágenes de actividades cotidianas. Como él mismo dice, resuelve su propia vida en un lienzo. www.miguelangelgarrido.com
 

6 > Jacqueline Lozano (León, 1984)

Jacqueline Lozano estudió mecatrónica: parece tener una especial predilección por los esquemas y las estructuras y usa cinta masking tape como herramienta y como fin: ¿estética ingenieril? Las muchas líneas sueltas de sus cuadros, sintetizados por saturación, se convierten en imágenes expresivas que proponen una retícula y esquematizan la percepción. Su trabajo resulta en paisajes estructurales que, por el insistente juego de líneas, capas y colores, parecen que se mueven, que están vivos. www.jacquelinelozano.com
 

7 > Gustavo Villegas (México DF, 1976)

La obra de Gustavo Villegas expande los límites plásticos de la pintura realista. En su última exposición, Voluntades descompuestas, intervino escultóricamente algunos de sus lienzos para tratar uno de sus temas recurrentes: la seductora destrucción de la vida urbana contemporánea. Actualmente Gustavo Villegas es miembro del Sistema Nacional de Creadores. www.gustavovillegas.com
 

8 > Esmeralda Torres (Querétaro, 1978)

Esmeralda Torres es parte de una tradición pictórica abstracta (consolidada en Querétaro por Jordi Boldó). Su trabajo es libre, espontáneo, sorpresivo y sumamente imaginativo. Y no sólo para quien ve su obra, sino también –sospechamos– para ella misma. Aunque Concreciones (2001) y Señales de cercanía (2010-2012) comparten un mismo lenguaje plástico, la experiencia estética es distinta. Y ahí está el valor de la obra de Esmeralda Torres: en su búsqueda incesante de formas, colores y texturas. www.esmeraldatorres.com
 

9 > Lilia Basulto (Guadalajara, 1982)

«La función del arte –dice Lilia Basulto– es crear nuevas relaciones que antes no existían con la realidad». Eso es, a grandes rasgos, lo que hace Lilia Basulto: observar la realidad, replantearla y, creando lienzos, transformarla. Una (gran) muestra de esto es su serie sobre la preparación y el disfrute de la comida: 12 cuadros que renuevan la experiencia cotidiana de entender y sentir los alimentos. liliabasulto.blogspot.mx
 

10 > Et al

El movimiento pictórico en el Bajío es –utilizando una palabra «artística»– pletórico; en dos páginas, los silencios son mayores que las menciones. Faltó mencionar, por ejemplo, los acrílicos de Luis Sánchez, los dibujos de Román Miranda, los pasteles de Carlos M y las curiosidades de Julián Guzmán (aka la Remolacha). Y faltó, por supuesto, hablar de Luis Morán, el que ilustró nuestro libro Vinos & viñedos del centro de México.
 

Hay tres grandes razones para ir: por las galerías y sus exposiciones, por la gente y sus pretensiones o por los artistas y sus fiestas.

Durante cinco días, el Centro Banamex se convierte en un gran museo de arte contemporáneo. Dentro de la decepción ante la novedad, a veces hay cosas muy interesantes. Asimismo, hay varias exposiciones paralelas organizadas por galerías y museos que aprovechan la visita de los coleccionistas. La Casa Celeste, la Galería OMR, Proyectos Monclova, SOMA y el museo Rufino Tamayo, por ejemplo, suelen tener eventos alternos abiertos al público.

Si quieres ir a ver a la gente, su maquillaje y sus atavíos, entonces ve el día de la inauguración: el miércoles 18. Los pasillos entre las galerías son utilizados a modo de pasarela; podrás ver todo tipo de cortes, telas, peinados y rostros ridículos que fingen desprecio. También, podrás tomarte varios tragos de las marcas patrocinadoras.

Por último, si quieres ir a las fiestas, júntate con un artista, simula que eres un pudiente coleccionista o ponte de intenso hasta que consigas un boleto. De todas las fiestas, recomendamos la de la Fundación Júmex. Después de inaugurar una exposición alterna, ofrecen una cena ostentosa que parece más bien un happening.
 

Yo fui el día de la inauguración, un miércoles. La gente iba despampanante. Las galerías sí tienen propuesta y está padre ir, pero para eso hay que ir un día por la mañana.

~Paulina Macías, aficionada.

Hay muchas fiestas exclusivas. Las galerías dan cortesías y algunos artistas suelen tener invitaciones. Todo es tráfico de influencias: los guapos, los ricos, los gays y los inteligentes siempre tienen boletos. Viva México.

~Inés González, aficionada.

La feria es muy representativa de lo que pasa en México. Hay un muy buen trabajo de curaduría por parte de los organizadores.

~Alejandro García, aficionado.

Quizá lo veo yo con un ojo muy crítico, pero el evento no tiene tanta propuesta artística. Más que un museo, es un evento social. Encuentras gente, la pasas bien.

~Horacio Rodríguez, diseñador.

Zona Maco en cifras:

• 19 países / 95 galerías / 900 artistas / 10,000 metros cuadrados de exposición.
• Costo: $150 pesos.
• Horarios: miércoles, de 5 a 10; jueves a sábado, de la 1 a las 10; domingo, de 12 a 8.
• Más info: zonamaco.com

El Festival Internacional Cervantino es uno de los festivales culturales más importantes de México y Latinoamérica. Se celebra anualmente en la mágica y misteriosa ciudad de Guanajuato. Inició como teatro callejero y, dado su aumento e importancia, el gobierno del estado decidió colaborar.

Podemos decir que el Cervantino se divide en dos festivales: primero, el festival oficial, que consta de representaciones en foros y teatros por los que hay pagar un boleto, y, segundo, el festival callejero, que no aparece del todo en el programa oficial y obviamente es gratis. Estos dos festivales representan algo así como «el arte para ricos (adultos) y el arte para pobres (estudiantes)», diferencias (políticas, sociales, elitistas y pachecas) que han provocado los altibajos en la calidad y seguridad del Festival Cervantino a través de los años.

Una vez aclarado esto podemos ir a los que nos truje: ¿cómo era el Cervantino antes?

En la época más desorganizada del Cervantino podemos decir que era algo así como… Sodoma y Gomorra. Los comerciantes vendían alcohol en las calles, la edad legal para tomar y fumar no existía, había poca seguridad, el callejón del beso se transformaba en el callejón del sexo, la gente podía dormir y acampar en los jardines, los eventos callejeros –principalmente representaciones musicales– duraban toda la noche, y qué decir de los eventos principales: tener en el 2001 a Enrique Bunbury gratis es algo difícil de superar. Cabe mencionar que la gente prefería las presentaciones musicales a la danza y el teatro. Aunque suena bastante divertido, lo cierto es que tanto la ciudad como el festival sufrieron un gran desprestigio de inseguridad, innumerables faltas a la moral y ríos de vómito –vómito «cultural», pero vómito a fin de cuentas. En resumen, una pesadilla para los habitantes de la ciudad.

Como era de esperarse, el gobierno intervino. Tratando de rescatar el sentido cultural del evento y la calidad de vida de los guanajuatenses, se prohibió la venta y el consumo de alcohol en las calles, se prohibió acampar en los jardines, aumentó la seguridad, los eventos callejeros se restringieron a ciertas horas y se abrió la puerta a invitados extranjeros; aumentó la propuesta artística, disminuyó «el relajo» y aún se sigue trabajando para que el Cervantino deje de ser una cantina gigante.

Es cierto, el Cervantino ha cambiado, pero se ha renovado, y cualquiera que sea la razón que te jale hacia el festival –juerga o cultura– sólo abre tus sentidos, contágiate del ambiente, respeta, conoce, déjate llevar y que todo te sorprenda, pues en Guanajuato, durante el Cervantino, todo es diferente.
 

Festival Internacional Cervantino

Del miércoles 12 al domingo 30 de octubre.
Guanajuato, Guanajuato.
Invitados de honor: Dinamarca, Finlandia, Noruega, Suecia y Nayarit.
www.festivalcervantino.gob.mx
 

Esta es una de las tradiciones más emblemáticas de un pueblo otomí-chichimeca-católico cuya memoria y costumbres fueron declaradas por la Unesco como Patrimonio Intangible de la Humanidad.

Hace un par de años nosotros fuimos. Aquí un álbum fotográfico del levantamiento del Chimal, y acá otro.

El pueblo de San Miguel Tolimán se encuentra en la región semidesértica de Querétaro, entre Bernal y Peñamiller, más o menos a unos 80 kilómetros y a 1 hora de Santiago de Querétaro.