Sobra decirlo pero ahí va: la sexta edición promete mucho para este otoño. A continuación examinamos al CutOut Fest de adentro hacia afuera: uno de sus más asiduos colaboradores escribe sobre la experiencia desde el interior y rematamos con los imprescindibles del programa 2014.
 

Yo y el CutOut Fest —por Mariela Patiño

No sé si fue coincidencia o todo estuvo planeado, pero justo me encontraba en clase de animación, por ahí del 2008, cuando un extraño entró al salón. No mostré mucho interés hasta que uno de mis compañeros me interrumpió y dijo: «Se ve que ese cuate es igual de rarito que tú». Levanté la mirada y vi a un chico alto de lentes que vestía camisa a cuadros. Era Ulises Santamaría, el director de Medios de un nuevo festival de animación llamado CutOut Fest. Andaba buscando estudiantes que cubrieran el evento.

Lejos de la animación, pues aún sabía muy poco al respecto, el CutOut Fest me atrapó porque sonaba diferente, lejos de los eventos que se producían en la ciudad y más cerca de las propuestas del D.F. Aunque la web solo tenía unos cuantos archivos en PDF sobre el festival (como la convocatoria para voluntarios y los artistas que serían parte del programa), todo el proyecto tenía una imagen poderosa que rescataba al View-Master para construir el concepto de «nuevas formas de ver».

Según recuerdo, las actividades que podías realizar como voluntario del área de Comunicación eran fotografía, detrás de cámaras, vox populi y entrevistas. Como no tenía tanta experiencia con el manejo de la cámara y mis aptitudes sociales —como bien dijo mi compañero, a veces era «rara»—, elegí encargarme de las entrevistas.

Las primeras reuniones del equipo de Medios ocurrieron mientras yo servía café en un restaurante. Preparé los guiones de las entrevistas que me tocaban cubrir y empecé a sentir que podía hacer un buen trabajo. Luego llegó el primer día del festival y fui devorada por un hoyo negro que me arrojó a una dimensión desconocida, un mar de extraños de distintas partes de México y el mundo, yendo y viniendo en todas direcciones, hablando en múltiples idiomas y acentos sobre temas tan ajenos a mí.

Por lo menos durante algunos minutos logré alejarme del caos y encontré refugio en la sala de proyecciones del Cine-Teatro Rosalío Solano, hasta que las luces se apagaron y en la pantalla surgió una ráfaga de colores, texturas, personajes y sonidos que me transportaron a un mundo ácido que deseé jamás abandonar. Luego de varias horas de autosometerme a una especie de método Ludovico, me di cuenta de todo el trabajo que requería una animación, las horas invertidas, el desarrollo de ideas y la magnitud creativa. Estaba rodeada de talento y había descubierto que el CutOut Fest no era ese pequeño evento con cortos «bonitos» que yo imaginé, sino un gran monstruo lanzando bombas de creatividad e innovación sobre los edificios barrocos de Querétaro. Entonces dudé de mi guión de preguntas y pensé en huir, pero cuando salí del trance las luces de una cámara me apuntaban, y Lorenzo Fonda, un reconocido director de animación y arte digital, se encontraba a mi lado. Reuní el poco valor que me quedaba, el camarógrafo me dio la señal comencé a entrevistarlo. Lorenzo y el equipo del festival lo negaron, pero estoy segura de que fue una de las peores entrevistas que habían visto. Aún así, me hicieron sentir feliz y confiada de haberlo intentado, Lorenzo hasta hizo un pequeño dibujo sobre la hoja en donde estaba impreso el guión que había preparado.

Después de tres intensos días en los que puse a prueba mis capacidades humanas y profesionales, el festival terminó. Mis emociones estaban deshechas, mis sentidos trastornados y en la ciudad ya no se respiraba el mismo aire. Observé a mi alrededor y sentí la felicidad de vivir ese momento, rodeada de nuevos amigos mientras bailaba al ritmo de las luces. Entonces pensé que estar ahí era como estar dentro del View-Master y que todos éramos como un engranaje que, en conjunto, era capaz de cambiar la imagen para ir hacia otra realidad; como un visor filtrando nuestra panorama con stop motion, ilustraciones y secuencias digitales.

Lejos de ser un festival de animación y arte digital, el CutOut Fest es una celebración a la creatividad y las nuevas propuestas, un lugar donde uno tiene la oportunidad de aprender, conectar con gente nueva, compartir una cerveza con algunos de sus ídolos y descubrir su propio talento —o al menos sentarse en una butaca y descubrir lo que significa el arte digital.

Hace seis años me enamoré del festival y desde entonces es uno de esos romances adictivos que simplemente no puedo dejar. Cada vez que intento escapar me sorprende y envuelve con algo nuevo. Es una experiencia que le dio luz a mi carrera profesional y, de paso, me enseñó a pensar y sentir con la imaginación.
 

El line-up 2014

Si algo define al CutOut Fest es su multiplicidad. En un lapso de tres horas puede haber una proyección especial de cortometrajes en el Cine-Teatro Rosalío Solano, dos conferencias magistrales y una instalación artística en alguna plaza del centro histórico. Además de las fiestas y la selección oficial, he aquí los invitados imprescindibles de este año:

1. Gary Baseman (garybaseman.com). Un peso pesado del pop surrealista contemporáneo. Su trabajo se expande más allá de la ilustración: art toys, juegos de mesa, colaboraciones con marcas de lujo y hasta una serie animada de Disney (Teacher’s Pet).
2. GMUNK (gmunk.com). GMUNK se dedica a los motion graphics (animaciones digitales con efectos gráficos multimedia). Han hecho comerciales, intros y secuencias para clientes como FOX, HBO, SONY, Adidas, Nickelodeon, Marlboro y las películas de TRON y Terminator 3.
3. Pixar (pixar.com). Para el mundo de la animación, Pixar es como el Vaticano de los católicos. Con 27 premios Óscar, este año el estudio californiano impartirá una conferencia magistral sobre sus proyectos animados como Buscando a Nemo, Monster Inc., Toy Story, WALL-E y Cars.
4. COCOLAB (cocolab.mx). Una red mexicana de colaboradores especializados en ambientes inmersivos, espectáculos e instalaciones interactivas. Entre sus proyectos destaca el mapping sobre monumentos de Puebla y la colaboración con Pedro Reyes para su exposición DISARM.
5. Las proyecciones especiales. Como es costumbre, el CutOut Fest trae tres funciones imperdibles: la cinta brasileña The Boy and the World, la producción en stop motion de O Apóstolo y el Biophilia Live de Björk con la experiencia multisensorial de su último tour.

¿Qué hacer en Querétaro?

El CutOut Fest es un festival urbano, disperso en los museos, galerías, cines y teatros de Querétaro. Lo que más disfrutamos en cada una de sus ediciones es la forma en que la pantalla se traspasa a la ciudad: podemos estar observando a un artista intervenir un muro del centro o tomar un mezcal con alguno de los ponentes entre estrenos y proyecciones. El festival también es un pretexto para revisitar la ciudad y sus atractivos culturales: asistir a la inauguración de otras exposiciones en el Museo de la Ciudad, encontrarse con la temporada otoñal de la Galería Libertad, tomarse unas cervezas de la fábrica El Hércules, zapatear un rato en Gracias a Dios, disfrutar de una cena en 5DMAYO o hasta volver a ser turista en el patio de San Agustín. Por algunos días de noviembre, la ciudad se anima de más.
 

¿Cuándo?

La sexta edición del festival se celebrará del 13 al 16 de noviembre en la ciudad de Querétaro. Para más información sobre el programa, las sedes y las fiestas, entra a cutoutfest.com.
 

Para saber exactamente qué era Sada y el bombón necesitábamos inventarla, poder tomarla físicamente y evaluarla. Inmediatamente después, declararla beta. Inventar durante un año los mecanismos para llevarla a la siguiente fase, modificarla, producirla, tomarla y evaluarla. Declararla beta de nuevo. Tener otros 365 días para pensar en los siguientes pasos, implementarlos, imprimirla, hojearla, declararla beta… y así exhaustivamente. Sada y el bombón es una revista que no estaría terminada nunca: evolucionaría de la misma manera que un ser vivo.

En diciembre 2013 la revista se hizo notablemente más grande —nuevo tamaño, más páginas y contenido. Un mes después, recibí la queja de un querido amigo por «verla tan grande y tan seria». Al final de mi respuesta, le escribí que «con este cambio de la revista estoy muy contento: cuando llegaron las cajas de la imprenta y pude sacar la primera y tomarla, pensé que era justo lo que esperaba y un poco más. En ese momento olvidé los 18 números anteriores y me puse a pensar en los 18 siguientes».

Veo la primera edición de Sada y el bombón y veo inocencia. Veo la última edición y distingo un gran camino andado; puedo imaginar sus siguientes cambios y su futuro lejano.
 

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Podemos dividir a todas las revistas en dos grupos: las monolíticas y las experimentales. Las monolíticas evolucionan poco a poco, interiormente, la edición uno y la edición cien no son tan distintas en sus formas. Sada y el bombón es una revista experimental: nació de un deseo-incógnita-búsqueda y fue creciendo naturalmente; evolucionó hacia adentro y hacia afuera, se desbordó y ocupó otros recipientes, se hizo grande, se extendió en las personas y en las geografías, aunque siempre pautada y delimitada en el tiempo. Sada y el bombón experimentó siendo la revista de una persona, luego de dos, luego de ocho, luego de un grupo grande, luego de una ciudad y una región.

Cualquier creación estará siempre incompleta, en cualquier fase, incluso terminada. La parte complementaria está siempre en el futuro, en el deseo.
 

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¿Cuál es el valor esencial de Sada y el bombón? Tal vez el cultural. No cultural como se traduce vulgarmente, sino cultural en su sentido de diccionario, antropológico: modo de vida y pensamiento local.

Sada y el bombón fue una gran red social porque era atractiva. Era atractiva porque estaba bien hecha. En las reuniones editoriales contábamos lo que nos había pasado en los últimos días o notábamos que algo cotidiano necesitaba una explicación o un análisis menos superficial, y lo convertíamos en artículo —después de una investigación y un debate con puntos de vista a veces opuestos. La edición fotográfica, la comisión de ilustraciones, el diseño editorial: todo se hacía de cero. Irónicamente, esta originalidad —que era lo que los lectores más apreciaban— no siempre le hacía sentido a los posibles anunciantes. Y ésta es la razón por la que ahora tenemos que despedirnos, pero buscaremos la manera de volver, probablemente con un esquema sustentable que esté directamente integrado —esta vez desde el principio— con el proceso de creación de contenidos. Mientras tanto, la echaré mucho de menos.
 

No somos muy dados a la cronología y el recuento, pero lo que sí apreciamos (y mucho) es el cierre de círculos. Esto, amigos lectores, no es más que completar circunferencias. A continuación un recuento de lo que hicimos: voces, cifras, diseños y palabras que contaron la historia de nuestra cultura urbana en el centro de México.
 

Historias y urbanidades

En la primera edición, Sada y el bombón se autoentrevistó. Además del enigma alrededor del nombre —¿quién es Sada?, ¿quién es el bombón?—, el monólogo partía de una certeza: «No tendría caso hacer una revista que ya conocemos; la hacemos para descubrirla». Y así pasaron las páginas y los artículos: cada edición era un proyecto en blanco que se rellenaba, primero con palabras y luego con diseño.

Cuando empezamos esta revista no sabíamos muy bien de qué iba. ¿Qué diantres es la cultura urbana en el centro de México? En ese entonces, Querétaro no tenía un solo espacio dedicado al diseño, los mercados itinerantes parecían algo del futuro y el gobierno seguía en su cruzada contra el graffiti pandillero. Lo mismo pasaba en el resto del Bajío. Hace no mucho, hablar de lo urbano en provincia era una proeza destinada al fracaso, como un grito afónico. «Oye, aquí estamos».

Lo que pasó los siguientes meses y ediciones fue, claramente, una sorpresota: encontramos lectores como nosotros —porque la revista, ante todo, la hicimos pensándonos como su primer lector. Es más, hasta nos escribían para hablar de sus proyectos (así dimos con restaurantes, tiendas de diseño y hasta una ecocasa con todo y sistema de trueque). Sumamos voces y la revista, por así decirlo, echó raíces.

Muchas veces nos preguntaron dónde sacábamos tanto contenido, cómo construíamos el índice. Pues así, platicando, compartiendo experiencias, caminando, leyendo. La revista como un registro impreso (y digital) que documenta a la ciudad: personajes y escenarios. En la misma autoentrevista del 2010, visualizamos a Sada y el bombón como una revista narrativa. Cuatro años después, aquí estamos, con una colección de historias sobre la ciudad y su urbanidad, con un montón de lecturas cruzadas.
 

El archivo del bombón

En cuatro años escribimos más de 3,000 páginas de contenidos acerca de la cultura urbana en la región. Temas tan variados como los tuiteros que más leemos, el horror del siglo XXI: los niños diabólicos con cumpleaños tipo spa, nuestra fascinación con los seres andróginos y la importancia de un estilo de vida sustentable. En resumen: somos una miscelánea de contenidos; cada párrafo y columna es un retrato escrito de lo que somos: discos que oímos, libros que leímos, vinos que tomamos, personajes que entrevistamos, viajes que hicimos (o al menos planeamos), inquietudes que externamos.

En este lapso de vivacidad y coleo, editamos suplementos especiales sobre temas como el diseño en el Bajío y las bibliotecas, hicimos un «local issue», mostramos el lado más humorístico —y surrealista— del Mundial en Brasil, desenchufamos erróneamente a Cerati en el 2011, hicimos un especial web sobre la lectura a través de nuestros colaboradores, dijimos «Todos somos Lady Gaga», escribimos incontables veces la palabra «Querétaro» y nos quedamos con las ganas de una Little Printer.

Más que ediciones bimestrales, nos gusta pensar en la revista como una enciclopedia urbana, una colección de tomos que algún curioso del año 2030 desempolvará desde su smartphone. O no. Por si las dudas, y porque siempre hemos visto con romanticismo la idea de una biblioteca o una colección, todos nuestros contenidos seguirán vivitos y coleando en sadabombon.com hasta que el futuro nos reviva. «Si no es ahora, será mañana».
 

 

La revista en números

En 4 años publicamos 120,000 ejemplares, fuimos leídos por más de 400,000 lectores y consumimos aproximadamente 250 litros de agua para hacer muchísimas tazas de té y café. Acá el resto de la revista cuantificable.
 

Los artículos más leídos

1. Los diez murales queretanos más representativos de la ciudad.
2. El Metro de Querétaro —el leak y los comentarios.
3. Cervezas artesanales en el Bajío.
4. Diez restaurantes para comer en el centro de Querétaro.
5. Las cantinas que sirven las mejores botanas.
6. El calzado urbano del bombón: los diez tenis que debes salir corriendo a conseguir.
7. La cultura del vino en el centro de México.
8. El pan artesanal.
9. Diez tuiteros interesantes y graciosos según el bombón y Sada.
10. Editoriales independientes en México.
 

Rarezas del buscador

Ay, la comedia involuntaria. Muchos llegaron a Sada y el bombón googleando:

- que es almodovar
- ir sola a una boda
- como ser mejor lector
- nueva urbanidad para todos
- lugares para irse de pinta
- refresco de grosella
- historias de sirvientas
- sada y el bonbon
- la web ociosa
- estatofobia
- hay metro en queretaro
- como es una chica almodovar
- tenis con alas
- halagar a alguien
- diferencia entre primavera y verano
- que es una biblioteca
- aventarse de un avion
- porque estan los burros en peligro de extincion
- como se escribe bombon chiquito en ingles
 

La edición representativa

Si tuviéramos que sintetizar todo lo que fuimos —lo que somos— en una edición, así quedaría:

Portada: La número 23, agosto-septiembre 2014.
Infografía: El fantasioso Metro de Querétaro.
Eventos y festivales: La feria del pulque y la barbacoa en Boyé, Cadereyta.
Viajes y paseos: El altiplano boliviano: un recorrido por La Paz, Sucre, Potosí, Los Lípez y el Salar de Uyuni.
Panorama: Industrializados –un reportaje sobre la avasallante industrialización del Bajío.
Versus: Perreo vs. Baile de cachetito –las dos categorías fundamentales para comprender nuestra conducta urbana.
Propuestas y recomendaciones: ¿Qué hacer en caso de emergencia? –recomendaciones ante distintos percances urbanos.
Top 10: Las diez cantinas que sirven las mejores botanas.
Medios y entretenimiento: Editoriales independientes en México –un vistazo a las editoriales que producen gran parte de lo que vale la pena leer en este país.
En peligro de extinción: La poda figurativa.
Colaboración: La que debuta, de Julieta Díaz Barrón.
Entrevista: Federico Gutiérrez: ciudadanía y urbanidad.

Suplemento veraniego: Cervezas artesanales en el Bajío.
Suplemento otoñal: El caminante.
Especial web: Vamos Belice, de Daniel Saldaña París.
Especial de diseño: El diseño en el centro de México y los diseñadores más representativos del Bajío.
 

Cerramos reconociendo a todos esos nombres que hicieron posible esta revista. Los que la escribieron y diseñaron, los que la repartieron, los que la buscaron, los que la perdieron, los que la usaron de abanico y, sobre todo, los que la leyeron en cada una de sus 24 ediciones. Gracias totales.

Mauricio Aguilera, Jon Aguirrezabal, Carlos Arroyo Batista, Begoña Barinagarrementeria, Arturo Barradas, Luis Bernal, Francisco E. Bernal Venegas, Daniel Bravo, Cristina Bringas, Cecilia Buentello, Antônio Cabadas, Patricia Corzo, Giacomo d’Alelio, Jorge Degetau, Julieta Díaz Barrón, Diógenes el Chades, Pablo Duarte, Patti G., César García, Eduardo de la Garma de la Rosa, Federico Gutiérrez, Mario Hernández, Selva Hernández, Gabriel Hörner, Mariel Ibarra, Javier Jiménez-Belmonte, Julia Fabiola, Horacio Lozano Warpola, Paulina Macías, Sara Márquez, Samuel Martínez Andrade, Imanol Martínez, Leticia Méndez, Julián Monsalve, Kostia Montana, Moskar, Héctor Muñoz, Carolina Nieto Ruiz, Luisa Fernanda Niño, Julia Perales, Bernal Pérez, Liz Pérez, Branko Pjanic, Denisse Piña, Óscar Rieveling, Roselin Rodríguez Espinosa, Carolina Rodríguez, Ros, Andrea Saldaña, Daniel Saldaña París, María Fernanda Sánchez, Mauricio Sánchez, Joy Sleepy, Rocío Soto, Rodrigo Suárez, Antonio Tamez, Gonçalo M. Tavares, Carlos Torre, Omar Torres, Bernardo Vandervelde, María José Vázquez, María José Villanueva, Jacobo Zanella, Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, todos nuestros patrocinadores y tú, acérrimo lector.
 

Pero la elección no es tan sencilla. Oh, no. A veces los estilos se combinan, las clasificaciones se confunden, los bocetos se piratean y acabamos con una sala que parece la residencia de un leñador minimalista o la Barbie treinteañera. También está el espacio: no es lo mismo la silla Eames en el loft de un publicista que en la sala de espera gubernamental.

Antes de la Revolución Industrial, los muebles eran hechos a mano, luego pasaron a la producción en serie y terminaron por instaurarse dentro del diseño industrial en Alemania. Desde entonces nos debatimos entre la cantidad, la calidad, el diseño y, lo más importante, la relación entre usuario y objeto.

Decimos que alguien parece un mueble cuando es callado, casi invisible e irrelevante. Todo lo contrario: la mesita de tu casa será pequeña y silenciosa, pero lo que dice es una escandalosa declaración de lo que eres. Sirva este encontronazo como una muestra de los extremos en que dividimos nuestras compras.

En México esto nos queda más o menos claro. Comemos tacos, tortas, sopes y salbutes literalmente con las manos. Creemos que el sentido del gusto se encuentra también en cada uno de nuestros dedos, y tenemos razón.

En Japón, un país donde incluso el paisaje natural está minuciosamente diseñado, el sentido que complementa al olfato y al gusto en el momento de comer es la vista. Los japos saben –de sabor más que de saber– que los ojos tienen su propia embocadura.

Siguiendo esta lógica de la vista tragaldabas, de los ojos zampabollos, de la pupila voraz, en el centro de México hemos comenzado a experimentar con platos, tazones y vasos que amplifiquen e intensifiquen los olores y sabores de nuestra cocina.

Presentamos aquí tres empresas que se dedican a la elaboración de vajillas. No hacen vajillas masivas para platillos cualquiera, sino que confeccionan diseños exclusivos para ofrecer una experiencia gastronómica singular.
 
 

Arroz con leche mamá

 
Esta micro empresa queretana elabora vajillas personalizadas para cafés, bares y restaurantes. Platos, vasos, tazas y jarras de autor; vajillas diseñadas por Lina Fuensanta y elaboradas por un grupo de prodigiosos artesanos queretanos.

Normalmente son los chefs los que piden este tipo de vajillas. O los dueños de restaurantes que saben que la presentación de un platillo es importante, que cierta comida exige un recipiente específico, que un mesero agarra mejor el plato de cierta forma y que un comensal obtiene una experiencia gastronómica singular al comer en algo diseñado especialmente para el alimento que está degustando. Tener una vajilla con un diseño propio significa tener el control de qué poner sobre la mesa. A eso se dedica Lina Fuensanta en Arroz con leche mamá.

El proceso de trabajo es más o menos este: Lina genera un concepto de diseño a partir de la filosofía del restaurante y de las personas que normalmente comen ahí. Elabora luego bocetos, planos estructurales, matrices de las piezas, moldes y, por último, la vajilla final.

Puedes probar las vajillas Arroz con leche mamá en el Kong Glocal Eatery, en el Monosabio y en el Mostacho 28. Y puedes ver más de su trabajo en www.arrozconlechemama.com.
 
 

Second Life Upcycling

 
«Reuso», esa es la palabra que mejor define lo que hace Second Life Upcycling. O mejor: el prefijo «re»: rehacer, reutilizar, reocupar, rehabitar. Ellos lo explican así: «damos una segunda oportunidad a objetos en desuso, transformándolos en otros de igual o mayor utilidad y valor; lo llamamos reconversión o reuso adaptativo». Ready-mades comerciales.

Una pareja, por ejemplo, se toma una botella de vino en un restaurante. El restaurante es, imaginemos, más o menos consciente de la basura que genera y clasifica sus desechos; las botellas de vino las tira en una bolsa con otros tantos desechos de vidrio. Alguien de Second Life Upcycling va al restaurante y recoge varias de las botellas de vino de la basura. Las lava, les corta el cuello de la botella y presenta una serie de floreros bastante atractivos. O les corta la base para que la botella funcione como lámpara.

Así, las botellas de Orangina se convierten en vasos; las botellas de Perrier, en jarras; la madera con la que los constructores hacen la cimbra, en bancas; los costales de ixtle que alguna vez transportaron café, en el colchón para la banca. Los objetos obtienen literalmente otra vida. Supraciclaje.

Puedes ver más sobre su trabajo en www.slu.mx.
 
 

Nouvel Studio

 
Este es el proyecto más exquisito de los tres. Si las vajillas de Arroz con leche mamá están pensadas para chefs o dueños de restaurantes y los artículos de Second Life Upcycling están pensados para casas particulares, los objetos de Nouvel Studio podrían estar pensados para un museo o galería de arte. Incluso fue así como los conocimos, en una exposición que hicieron en la galería de diseño Casa Gutiérrez Nájera (CGN).

Nouvel Studio es un laboratorio que experimenta con cristal. Diseñan y elaboran floreros, jarrones, botellas, vasos, tazones, copas y demás recipientes de cristal, todos con un diseño y unos acabados refinadísimos.

Nouvel Studio reúne a reconocidos diseñadores y arquitectos para elaborar sus productos. Ricardo Legorreta, por ejemplo, colaboró con ellos. Otros: Agustín Hernández,
Bernardo Gómez-Pimienta, Ezequiel Farca, Manuel Álvarez, Isaac Broid, Teodoro González de León, por mencionar sólo a algunos. Evidentemente, el resultado de estas colaboraciones es una serie de artículos tan distinguidos como sugestivos. El agua simple en uno de esos vasos sabe casi a vodka. Así de sugestivos.

Puedes ver su catálogo en www.nouvelstudio.com y comprar sus productos en: www.tiendaespacios.com.
 

No vemos las cosas tal cual son, las vemos tal cual somos.

~Anaïs Nin

 
El diseño es una de las mejores metáforas del desarrollo urbano. El diseño crece cuando un espacio se expande. Al congregar diferentes voces, se despliegan distintas miradas. Y eso es una ciudad: la reunión de varios puntos de vista. El diseño que producimos y consumimos en el Bajío es el mejor reflejo que hemos encontrado de nuestra urbanidad.

Quizá no somos los productos que diseñamos, y quizá tampoco las experiencias que vivimos con esos productos, pero sí, definitivamente, la concepción que tenemos del proceso de su diseño. Entender el diseño como proceso –más que como producto o experiencia– significa no sólo vivir con el diseño, sino ver a través del diseño. El diseño como mirada y como forma de pensar.

Así editamos este suplemento, reuniendo a profesores, diseñadores, clientes, galerías, tiendas y usuarios. Distintas miradas hacia un mismo lugar: nuestra propia urbanidad.
 

¿Cómo se diseña?

Más allá del diseño como producto o incluso del diseño como experiencia, está el diseño como proceso. El valor de un objeto o una imagen se encuentra en su propio desarrollo. Aquí los pasos que seguimos durante el desarrollo de un caso concreto:

1. Petición del cliente. «Quiero crear la marca de una pequeña escuela de vino que estará en Querétaro».
2. Cotización. «Oki, doki: investigaremos, delimitaremos, discutiremos, diseñaremos y ejecutaremos. Será tanto».
3. Diagnóstico. Investigación de los objetivos de la escuela, de la situación de la industria, de los competidores y de los posibles alumnos.
4. Brief creativo. Delimitar, aclarar, detallar y explicar las características principales de la futura marca.
5. Presentación del brief. «Nel, eso que dice ahí es incorrecto: habrá sólo un curso al año; nos importa mucho detallar cada parte del proceso».
6. El discurso. Definir las características abstractas de la marca: sus valores y su esencia: ¿qué es, cómo se comporta y a dónde va?
7. La propuesta. Trazar propuestas de nombre y logotipo: «Taller Vínico», «EnoLab», «Escuela Enológica del centro de México», «Escuela El Orujo».
8. Discusión con el cliente. «Me gustan estos dos caminos, ¿qué opinan si agarramos lo mejor de cada uno de ellos?».
9. Definición. «Escuela de Vino Artesanal», y definir el logotipo, su paleta de color, su narrativa y las relaciones visuales que tendrá en un determinado contexto.
10. Expresión. Manifestación de la marca (esencia, valores, tono) en materiales concretos: publicidad, folletos, relaciones públicas, eventos, marketing directo, internet, etc.
11. Extensión. Los valores de la marca deben comunicarse de manera efectiva y convertirse en atractivos tangibles: reconocimiento de marca, número de inscritos, etc.
12. Resultados. Dos generaciones, apertura de la tercera, dos vinos conmemorativos, reconocimiento entre la industria y entre los aficionados al vino. Da clic aquí y observa el desarrollo de la marca EVA.

La formación del diseñador

Para retratar la educación o formación que recibe un futuro diseñador, le preguntamos a distintos maestros sobre los objetivos principales de carrera de diseño y sobre la enseñanza más relevante que un maestro trata de transmitir. Aquí sus respuestas:
 
Manuel Álvarez Fuentes, maestro de diseño, consultor y fundador de DiCorp:

El diseñador se forma dentro y fuera de la escuela de diseño –algunos ni pasan por las aulas. La observación de todo lo que nos rodea, aquello que nos fascina y también aquello que nos perturba y enfada, es uno de los detonadores de la formación de diseñadores en cualquiera de sus manifestaciones. Todo aquel individuo que encuentra desajustes en su entorno y quiere cambiarlos, quiere transformarlos, es porque ha hecho una observación aguda, ha hecho una reflexión y por tanto está en camino de convertirse en un diseñador proponiendo cómo cambiar. De ahí que no todo es dibujo, ni todo es formas, geometría y «arte» en el diseño; hay sobretodo un pensamiento de diseño, una actitud crítica. A los diseñadores se les forma enseñándolos a pensar (observar) y luego enseñándolos a crear.

 
Rodrigo Chávez Heres, director de la director de la carrera de Diseño Industrial en el ITESM campus Querétaro:

Un diseñador industrial parte del quehacer básico de diseñar objetos, pero hoy en día la labor del diseñador va mas allá. Todo diseño pertenece a un sistema que en conjunto genera una experiencia. La labor del diseñador es entender esta relación y proponer cambios e innovaciones en este sistema para un único fin: mejorar la calidad de vida del ser humano. En el contexto actual de desigualdad y escasez, todo diseñador debe cuestionarse si su diseño no compromete tanto nuestro entorno como el de las siguientes generaciones. A esto le llamamos sustentabilidad. […] En México la carrera de Diseño Industrial tiene poco mas de 40 años. Hoy vive un momento culminante y esto se ve reflejado en todo el país: existen cada vez más diseñadores y las empresas se están dando cuenta de la necesidad de incluir a un profesional con estas características de pensamiento en su equipo. En el Bajío tenemos la fortuna de ser un clúster de empresas productoras y eso abre muchas posibilidades para nuestros diseñadores actuales y futuros.

 
Jorge Moreno Arozqueta, empresario, consultor y académico del diseño:

La formación del diseñador tiene implícito el desarrollo de diferentes habilidades y conocimientos. El primero es el desarrollo de la habilidad de comunicación y expresión por medio del dibujo y la elaboración de modelos, maquetas y prototipos. Posterior a esta habilidad es necesario generar dos bagajes de conocimiento muy importantes: el bagaje cultural, que es un bagaje totalmente emocional y subjetivo, y el bagaje técnico, el cual es racional, objetivo y medible. Finalmente, con ambos bagajes y la habilidad para comunicar, se debe enseñar el proceso de diseño que consta básicamente en mover una idea de la abstracción y la subjetividad del arte hacia la técnica y la objetividad del negocio, y para la realización exitosa de este proceso se necesita de mucha creatividad y por supuesto de un pensamiento de diseño, que es lo más difícil de enseñarle a un estudiante. En el proceso de diseño no existe una formula infalible que permita obtener resultados. Es una disciplina que busca reinventar y generar nuevas posibilidades, y para lograr esto se requiere de mucha creatividad y una gran capacidad para lidiar con la incertidumbre durante la creación.

 
Felipe Estrella Sweeney, director de la División de Arte, Diseño y Arquitectura en la UVM Campus Querétaro:

En México, dado que no existe una educación visual preuniversitaria lo suficientemente sólida, la formación de diseñadores durante la licenciatura se da casi desde cero, lo que implica abordar desde los conocimientos y principios teóricos básicos (forma, color, tipografía, composición, semiótica, historia del arte y el diseño, técnicas y materiales, etc.) hasta la aplicación práctica de todas estas teorías en la estrategia del diseño. […] La mayoría de los jóvenes que deciden estudiar esta carrera lo hacen porque reconocen que tienen habilidades manuales para el dibujo y el modelado de formas, y algunos otros por su afinidad con la computadora y las herramientas con que cuenta para la expresión gráfica y el diseño. Sin embargo, estas cualidades son sólo una parte de los atributos profesionales de un diseñador gráfico o un diseñador industrial, pues hay que desarrollar y detonar en el estudiante otras capacidades muy importantes para la profesión, como lo son las habilidades para analizar y sintetizar, ser creativos, innovadores, críticos, estratégicos, sin contar con un ingrediente también muy esencial que es el «estilo» en el manejo del lenguaje visual y formal que cada diseñador desarrolla como parte de su personalidad profesional.

 
Escuelas informales de diseño

Además de las distintas universidades que ofrecen la carrera de diseño (Tec de Monterrey, UVM, Universidad de Guanajuato, Anáhuac, La Salle Bajío, etc.), están las escuelas informales: cursos de foto (para aprender a observar) y cocina (para entender el concepto de proceso), trabajos en las imprentas (para desarrollar la paciencia), comidas en el Vips (para conocer a los clientes) y lectura de libros con palabras (para poder articular, escribir y tener imaginación). En suma, vivir como usuario para aprender que la función siempre estará por encima de la forma.

Forma vs. Función

Aunque, como dice Aristóteles, «la virtud está en el punto medio», para pensar hay que irse a los extremos. Las hipérboles sintetizan, es decir: aclaran. Discutimos aquí desde los límites: ¿qué vale más en un diseño, la forma o la función?

El diseño según clientes y usuarios

El diseño no existe en el vacío, cualquier diseño depende de las relaciones que crea con su contexto. Si un diseño no es funcional, entonces es arte. El diseño es una utilidad, un servicio. Considerando esto, entrevistamos a cuatro usuarios y/o clientes comunes y corrientes; no-diseñadores que utilizan el diseño o invierten regularmente en contratar a diseñadores profesionales.
 

El diseño es una solución inteligente frente a un requerimiento. En un buen diseño valoro que el diseñador haya pensado en el usuario final, que la parte estética no actué en detrimento del lado funcional, que en el diseño haya un contenido de riesgo, que en el ejercicio se note que el diseñador estudió lo mejor de soluciones anteriores para incorporarlas a su propuesta.

~Antônio Cabadas

 
¿Qué es el diseño?

Julieta Díaz Barrón (usuaria): Es un plan.
Jorge Degetau Sada (cliente): La fijación de una esencia en cierto medio. Es una especie de traducción, o de metáfora.
 
¿Qué características o atributos valoras en algo diseñado?

JDB: La consistencia.
JDS: Sobre todo, que sea fiel al significado de la cosa (marca, producto) representada. Un buen diseño llama al mercado del producto y repele al que no lo es.
 
¿Cómo ha cambiado el diseño tu cotidianidad?

JDB: Diariamente tengo que planear textos, proyectos, eventos, estrategias, soluciones a problemas concretos. Diseñarlos para que existan. Nada peor que abocarte a hacer algo sin planearlo antes. Todo lo que carece de diseño, se ve mal o sale mal. Por ejemplo, un texto. Cuando daba clase y mostraba a mis alumnos que un buen texto se basa en ideas claras soportadas por argumentos y les ayudaba a armar las estructuras sobre las cuales podían ir vertiendo esas ideas, me alegraba cuando llegaban a la conclusión de que un texto bien escrito, necesariamente se basa en un plan o diagrama consistente. Y así, se lee bien y se ve bien.
 
¿Qué valor te da un diseñador profesional?

JDS: No contrato aficionados por la misma razón por la que nunca me operaría del corazón con un plomero. Valoro el trabajo de los especialistas. Un diseñador profesional comunicará mejor mi mensaje que un aficionado. Eso abona en la fidelidad a la hora de representar mi marca, cosa que ayudará a que ésta encuentre su mercado.
 
Sinceramente, ¿crees que el usuario final valore el diseño que contrataste?

JDS: La gente valora una buena experiencia. A eso se llega si no hay engaño, si existe una correlación entre el diseño de la imagen y el diseño (de la calidad, del precio, etc.) del producto o servicio. Un cliente seducido por la experiencia volverá.
 

Algo mal diseñado es como algo mal escrito: cuesta mucho trabajo leerlo, interpretarlo, usarlo.

~Mauricio Aguilera

Tiendas de diseño en el Bajío

Bodega Design Shop
Objetos de deco-ración y servicio de diseño de interiores.
Industrialización 4, Álamos 2da Sección (dentro de La Fábrica), Querétaro.
T. (553) 456 1101
facebook.com/BodegaMx

Crioll Estudio
Muebles contem-poráneos para casa y oficina.
Circuito Álamos 98, 1er piso, Álamos 2da Sección, Querétaro.
T. (442) 225 4843
crioll.tumblr.com

Casa Gutiérrez Nájera
Galería con catálogo y venta en línea de sus colecciones.
5 de Mayo 114, centro histórico de Querétaro.
T. (442) 223 2576
www.casagutierreznajera.com

Dix
Tienda (física y en línea) de diseño mexicano.
5 de Mayo 84, centro histórico de Querétaro.
T. (442) 455 4908
www.dix.mx

Rosa Mexicano
Moda, diseño, artesanía y gastronomía.
5 de Mayo esquina Altamirano, centro histórico de Querétaro.
T. (442) 213 8409
facebook.com/RosaMexicanoQueretaro

Hecho a Mano
Muebles y ropa diseñada en México.
5 de Mayo 60, centro histórico de Querétaro.
T. (442) 212 0119
hechoamanoymas.com

Shop Suey
Art toys y accesorios de diseño.
Guerrero Norte 13A, centro histórico de Querétaro.
T. (442) 212 5459
www.shopsuey.mx & facebook.com/ShopSueyMx

Espacios Querétaro
Muebles de diseñador para casa y oficina.
Av. Universidad 48, esquina Bernardo Quintana, Querétaro.
T. (442) 213 5974
www.tiendaespacios.com

Espacios León
Lo mismo pero en León.
Avenida Paseos del Moral 330, local 8, León.
T. (477) 717 6364
www.tiendaespacios.com

Oro Negro Shop
Moda, joyería y diseño independiente.
Picacho 201, local 5, Colonia Jardines del Moral, León.
www.oronegroshop.com.mx

Fábrica La Aurora
Centro de arte y diseño: galerías, talleres y tiendas.
Calzada de la Aurora s/n, San Miguel de Allende.
T. (415) 152 1312
www.fabricalaaurora.com

Dulce & Canela Concept Store
Regalos y objetos de diseño.
Casimiro Liceaga 195, Colonia La Moderna, Irapuato.
T. (462) 115 1213
facebook.com/dulceycanelairapuato

Los diseñadores más representativos del Bajío

Da clic aquí y lee la segunda parte de este artículo: los diseñadores y los trabajos que mejor representan el diseño que se piensa, hace, consume y se vive en la región.

Obviamente, dejamos fuera a grandes diseñadores. Basta por mencionar a Jorge de Buen, el reconocido tipógrafo que vive en Querétaro. O a Neto Velasco, «el mismo que viste y calza» los productos DeLorean. O al equipo que hace los mobiliarios ecológicos Modulec. El espacio es poco, la edición es vasta, sobre todo considerando que hay también miles de diseñadores sin nombre y sin marca.

En fin, a continuación mostramos los diseñadores y sus trabajos que mejor representan el diseño que se piensa, hace, consume y se vive en la región.
 

La Jabonera Estudio

Ubicada en Querétaro dentro de una antigua fábrica de jabones, La Jabonera es una agencia, un espacio de diseño o, en un sentido más amplio, un centro creativo. Ahí dentro desarrollan proyectos de diseño industrial y de diseño gráfico, ofrecen talleres y coaching creativo y, por si fuera poco, rentan estudios y oficinas para rodearse –y potenciarse– de otras disciplinas y otros quehaceres creativos. En suma, muestran cómo vivir del diseño.

«Nuestra visión del mundo y de la vida se forma a través del diseño; somos lo que creamos», dice Mara Montañés, socia fundadora de La Jabonera. La realidad se transforma desde y con el diseño, podría decir. Y es que sí: desde hace 12 años, con sus distintos proyectos, La Jabonera ha cambiado no sólo a sus clientes y usuarios, sino, sobre todo, ha transformado su entorno. Basta darse una vuelta a La Jabonera para comprobarlo.

Más información en facebook.com/lajabonera.estudio.
 

Arroz con Leche Mamá

¿Las artesanías son diseño? Si sí, ¿los artesanos fueron entonces los primeros diseñadores? Quizá sí. Quizá el diseñador sea justo eso: algo más que un obrero fabril y algo menos que un artista: un artesano. A fin de cuentas, el diseño es un oficio mecánico y popular con un sello regional (terrenal) e íntimo. Una profesión artesanal.

Lina Fuensanta –la creadora y directora de Arroz con Leche Mamá– sabe que el diseño mexicano sería bastante pobre –por no decir casi nulo– sin la fértil y abigarrada tradición artesanal que tenemos en México. Y lo sabe porque sus diseños son eso: artesanía contemporánea.

Presumimos esta gran idea de Arroz…: señales táctiles en cantera para darle accesibilidad y autonomía a las más de 1,500 personas que padecen ceguera.

Más información en www.arrozconlechemama.com.
 

Hunt Lab

Hunt Lab es un colectivo de diseñadores industriales formado en la ciudad de León a finales de 2008. Desde entonces se dedican al diseño sustentable. Aunque, aseguran, «el diseño sustentable es un pleonasmo». Y sí: tienen toda la razón.

Con materiales naturales y procesos artesanales, crean muebles y vajillas que le dan valor, sobre todo, al usuario que interactúa con ellos. «El proceso define el resultado». Y el resultado en Hunt Lab son objetos cotidianos y elegantes, exquisitos y funcionales.

El buen diseño transforma la vida cotidiana. Y eso es justo lo que hace esta vajilla hecha en colaboración con un artesano de Tarandacuao. La comida en estos platos –jurámoslo– sabe distinta. Si de la vista nace el apetito, con esta vajilla salivamos cual perro de Pavlov.

Más información en facebook.com/TheHuntLab.
 

Canica Toy Lab

«Jugar es increíble, y un juguete tradicional permite a cualquier niño volar, saltar o desaparecer a su antojo». A eso se dedica Canica, a explorar las posibilidades lúdicas e imaginativas del juguete.

Sus diseños implican un proceso más inquieto y travieso: pensar como niños y no sólo como diseñadores. Jugar, diseñar, armar y volver a jugar con los objetos hasta encontrar su forma menos aburrida y su función más didáctica. Esa es su interpretación del juguete tradicional.

La línea de alebrijes es un homenaje a Pedro Linares, el creador de las figurillas de papel. Estos animalitos siguen la filosofía creativa del laboratorio: productos mexicanos, sustentables y, sobre todo, divertidos: «unos muy buenos bichos».

Más información en www.canicatoylab.com.
 

Altivamedia

Altivamedia es un ejemplo de la planeación, el cuidado y el desarrollo que hay detrás de un sitio web. Su proceso de trabajo es meticuloso, certero y completo, comparable al de cualquier otro orfebre creativo. Trabajan desde Querétaro pero realizan proyectos para empresas locales y nacionales –desde Tecate hasta Turín.

«Supervisamos todo el proceso, pixel a pixel, código por código. El resultado: una buena experiencia de usuario y soluciones digitales cada vez más interesantes».

Con un portafolio lleno de sitios, micrositios, juegos y aplicaciones, su propia página web resalta como la mejor definición del estudio: el balance perfecto entre diseño y programación: www.altivamedia.com.
 

Crissanto Frias

Frente a la rigidez y frialdad de gran parte del diseño contemporáneo, el trabajo de Crissanto Frias resalta por su temática y su ánimo o denuedo. Ha trabajado como diseñador gráfico y curador artístico para, por ejemplo, el Festival Internacional Cervantino y el Museo de la Ciudad.

Aunque ha desarrollado proyectos de diseño industrial, televisivos e incluso arquitectónicos, destacamos aquí el diseño gráfico y dirección de arte que hizo para las salas permanentes del Museo Regional de Querétaro: Querétaro virreinal y Querétaro en la historia mexicana.

Retratando el quehacer cultural y artístico del Bajío, sus diseños logran lo que cualquier disciplina artística se propone: confortar al disturbado y disturbar al confortado.
 

Gabriel Fontanillo (NUR)

El espacio no es creado por límites físicos, sino por la luz. La luz delimita, define, le da sentido y le da forma a un espacio. Es con la luz con lo que se crea un ambiente. Y ambientar, a fin de cuentas, es enmarcar, animar. En otras palabras, la vida de un espacio está determinada por la luz.

Eso es lo que hace Gabriel Fontanillo: diseña espacios a través de la luz. Lo hace desde San Miguel con su empresa NUR, «una pequeña editora de objetos luminosos», como les gusta definirse a sí mismos.

En NUR diseñan ambientes –atmósferas– no sólo controlando la luz, sino también creando distintos muebles a la medida de cada espacio.

Más información en www.nuryourself.com.
 

César Ponce

¿Existe algún sentimiento de pertenencia o concepto de localidad en el diseño hecho en el centro de México? Esta pregunta nos la hicimos constantemente durante la edición de este suplemento. No tenemos todavía una respuesta clara y específica, pero sí sabemos que consciente o inconscientemente –al final es irrelevante– se está buscando, y en cierta forma definiendo, una identidad del diseño mexicano.

Los diseños por César Ponce son un muy buen ejemplo de esto. Sus objetos sorprenden por su naturalidad y franqueza. Desde tierras hidrocálidas, este diseñador observa y reinterpreta su realidad más cercana.

De entre los objetos que César Ponce ha diseñado, destacamos dos: el contenedor Tara y el banco expansible Folk; si nos empujan, nuestros dos muebles preferidos hechos en la región.

Más información en facebook.com/cesar.ponce.921.
 

Alex Medina

El concepto de moda en Querétaro –un antiguo pueblo de monjas– solía ser más corto que las mangas de un chaleco. «Una buena capa todo lo tapa», dice el refrán popular. Y así vivíamos: tapaditos, correctitos.

Alex Medina no determinó cómo nos vestimos ahora, pero sí ha influido, y bastante, en cómo queremos vernos. No sólo ha contribuido al desarrollo de la moda en el Bajío, sino en todo el país. Desde su anterior proyecto –el dueto Santo–, ha trabajado en la creación de prendas para hombre con espíritu local y visión internacional.

alexmedina | menswear es su más reciente proyecto: una marca –y una tienda y «atelier»– especializada en moda urbana y diseños exclusivos de sastrería.

Más información en facebook.com/alexmedinamx.
 

Natural Urbano

Hay estudios que se dedican a llevar al límite los alcances del diseño, ensayar con nuevas formas y poner a prueba la función de los objetos. Eso hacen en Natural Urbano: juegan, experimentan y, de esta forma, extienden los lindes del diseño.

«Transformamos lo cotidiano. Aquí lo práctico va acompañado de lo inusual y lo antiguo recobra nuevas formas». En otras palabras: objetos vivos y, a veces, incluso, humorísticos. Lámparas hechas con ollas, palas y rodillos para pintar, fruteros en forma de bolsa de plástico: experimentos estética y funcionalmente bien logrados desde la ciudad de León.

Aunque se dedican también al diseño gráfico, Natural Urbano se especializa en el diseño de lámparas. Como prueba, este modelito: la lámpara rodillo.

Más información en www.naturalurbano.com.
 

Sé, taller de ideas

Ubicado en el centro histórico de Querétaro, este taller se especializa en el diseño editorial y en la creación y desarrollo de marcas. Su equipo interdisciplinario está conformado por diseñadores, escritores y publicistas –son los creadores de el bombón y Sada (son nuestros papás).

«Somos un taller porque nos gusta la acepción artesanal que tiene la palabra. Pensamos en el diseño y la edición como un oficio; nuestro proceso de trabajo es muy parecido al de un artesano: minucioso, preciso y constante».

Vinos & viñedos del centro de México es un libro que presenta y describe la segunda región vitivinícola más importante del país. «Un proyecto íntimo en el que plasmamos nuestra pasión por el lugar donde vivimos y por el libro como objeto y profesión».

Más información en taller-se.com.
 

Casa Gutiérrez Nájera

En el centro histórico de Querétaro, en la esquina de las calles 5 de Mayo y Gutiérrez Nájera, se encuentra CGN, la primera y única galería formal de diseño en el Bajío: una ventana –y una puerta– al diseño que se piensa, se desarrolla y se consume en la región. Desde su apertura (agosto de 2011), CGN ha fungido como el embudo donde se congrega, se destila y se proyecta el diseño más representativo del centro de México.

«Hay muy buen diseño en toda esta región –dice Carlos Torre, director y fundador de CGN–, nosotros tratamos de mostrarlo, difundirlo y promocionarlo. Buscamos la colaboración de los diseñadores de la zona para enriquecer el diseño en México».

CGN organiza continuamente exposiciones, talleres y ciclos de proyecciones de documentales sobre diseño y arquitectura.

Más información en casagutierreznajera.com.

Diseñar es agarrar algo enredado, verlo, analizarlo, mezclarlo, editarlo, voltearlo de cabeza y convertirlo en algo digerible.

~Begoña Barinagarrementeria

El propósito del diseño es responder a una necesidad mediante la creación; el modo en que se responde determina una forma, el aspecto de esta forma es la estética. En el entendimiento popular, el diseño es únicamente estética para el deleite. En realidad la estética es como la cara de una persona: es una expresión de todo lo que es y que no está expuesto a simple vista. Y la estética no es sinónimo de belleza o encanto; a mí se me hace más interesante mirar la cara de Mickey Rourke que la de Madonna. La pregunta que lo lleva a uno a convertirse en diseñador es: ¿por qué las cosas son como son?, ¿por qué la pata de una mesa Luis XV es curva?, ¿por qué las pantallas de cine son más anchas que las televisiones?, ¿por qué las letras de los libros siempre tienen patines y las de las señales de tránsito no?.

~Héctor Muñoz Huerta

 
Cada día hay más oferta laboral en el Bajío para los diseñadores gráficos e industriales; distintas empresas e instituciones valoran cada vez más el trabajo que hacen los diseñadores; cada semestre se incrementan el número de escuelas y universidades que ofrecen cursos, diplomados y licenciaturas de diseño gráfico e industrial; cada día hay más tiendas, galerías y exposiciones de diseño en las distintas ciudades de Querétaro y Guanajuato. Un diseñador podrá ser (muy) poco valorado y su trabajo poco remunerado, pero por lo menos se está discutiendo el tema. Quizá no es el diseño como disciplina lo que está de moda, pero sí la conversación en torno al diseño. El diseño está presente en gran parte de nuestras conversaciones y actividades, quizá de forma superficial y vana, pero está. En el centro de México, la discusión en torno al diseño es latente y creciente.
 

El diseño en México, me parece, pasa por un momento histórico importante, y la región del Bajío tiene mucho que aportar; estoy seguro que en los próximos años será una región latente. La clave será que todo lo que sucede ahora y lo que suceda en el futuro pueda de alguna manera conectarse entre sí para que sea un esfuerzo en común y no esfuerzos aislados, es decir, que los diseñadores, los espacios de difusión, las universidades, los congresos, las empresas y las instituciones públicas logren una mayor comunicación entre sí para que la región sea un motor en el tema del diseño en México.

~Carlos Torre Hütt

Bueno o malo, el diseño en el Bajío ha incrementado, aunque sigue sigue siendo un poco artesanal, sobre todo en los pueblos pequeños. El mejor diseño está en las ciudades grandes, en León y Querétaro. […] Aquí en el Bajío se suele confundir el diseño con un trabajo técnico. Diseñar es mucho más que aplicar una u otra técnica; diseñar es observar, analizar, aterrizar, desarrollar y controlar. Es un proceso muy largo, y para valorarlo hay que considerar todos los pasos.

~Daniel Bravo

 
El diseño está íntimamente relacionado, más que con el tiempo, con el espacio en el que se desenvuelve. El diseño le da forma a unos contenidos, a una voz, a un mensaje. Si el espacio es pequeño (pensemos en un pueblo), los mensajes que ahí se expongan serán igualmente pequeños, por lo que el diseño tendrá pocas posibilidades de exploración. En cambio, si el diseño se despliega en una ciudad (y una ciudad no es sino un conjunto y una mezcla de pueblos, es decir, de voces y opiniones), sus caminos serán mucho más amplios y alargados. En cierta forma, el diseño es el reconocimiento de un espacio dado.

Una prueba fehaciente de que el diseño cobra cada día más relevancia en el Bajío es el crecimiento que han tenido ciudades como Querétaro y León. Estas ciudades han tenido un crecimiento sobre todo externo, es decir, en los últimos años han recibido todo tipo de personas. Si después del ‘85 sólo recibíamos chilangos, ahora recibimos, además, personas y familias del norte del país. Nuestras ciudades han dejado de ser pueblotes porque han ido agrupando distintas voces y puntos de vista. En este sentido, el diseño que producimos en el centro de México es el mejor reflejo de nuestra urbanidad.

El diseño tiene que ver con generar un cambio: un punto de vista. Se trata de transformar conceptos.

~Denisse Piña

Hablamos de diseño con Denisse Piña

 
¿Cómo ves el diseño gráfico e industrial en el Bajío?

Veo mucha competencia, mucha oferta, mucha información… pero muy poco fondo, profundidad y concepto. Reflexionamos poco sobre nuestro bagaje cultural como para decir que hay un diseño auténtico del Bajío, y hasta incluso mexicano. Adicional a ello, veo el diseño subestimado a ser un plus, la gente no entiende el diseño porque somos nosotros, los propios diseñadores, los que muchas veces no entendemos lo que es nuestro trabajo. Esa dualidad e idea orgánica y equilibrada del diseño (función-forma), cuesta mucho y muchas veces ni siquiera la comprendemos.
 
Cada día hay más oferta laboral, instituciones que valoran cada vez más el diseño, escuelas que ofrecen cursos y licenciaturas especiales; ¿observas una especie de bomm?

En estos últimos años ha crecido la oferta educativa, eso es muy bueno y es un gran paso, pero aún así no ha habido un cambio radical de cómo se acoge la profesión en el «mundo real»; es muy difícil conseguir becas para estudios de posgrado en diseño, por ejemplo. En el Bajío ahora hay un boom por los productos de diseñador, algo así como esas mini tiendas de los museos con cosas «bonitas», pero eso es una forma muy inocente de hablar de un boom, pues no se relaciona con un cambio en la forma de pensar y de concebir el diseño, de construirse como diseñador.
 
¿Cuál es tu visión sobre el diseño; qué idea del diseño tienes?

Me gusta pensar el diseño como algo necesario, pero invisible, como una red; algo que te haga pensar la misma cosa desde ángulos distintos; me gusta pensar que con el diseño puedo cambiar la visión de algo; que puedo dar muchas respuestas a una pregunta y que escojo la mejor para decirlo; me gusta pensar que el diseño es humano y sincero. Al final de cuentas, el diseño lo hacemos personas para personas, y eso es lo más importante. Mi trabajo de diseñadora editorial lo veo como el de una traductora; para traducir debo de comprender bien, estar ahí con todos mis sentidos, ser lectora, ser usuario y desde ahí proyectar. Retarme a conocer lo que no sé y ver desde otro punto lo que ya sé, construir y deconstruir constantemente.
 

El mejor diseño es casi invisible, o muy sutil; para llegar a eso que es casi invisible hay que pasar por largos procesos de análisis y síntesis.

~Jacobo Zanella

Hablamos de diseño con Jacobo Zanella

 
¿Cómo ves el diseño gráfico e industrial en el Bajío?

El mejor diseño, creo, está en las ciudades grandes. Luego hay grandes destellos de buen diseño en ciudades secundarias, como Querétaro o Guanajuato, pero los clientes están a la altura de la ciudad, así que muchas de esas agencias tienen que limitar su imaginación. Definitivamente no hay buen diseño en las ciudades pequeñas (Tequisquiapan, etc.) o en los pueblos (Bernal, etc.). El buen diseño, casi siempre, es proporcional al tamaño de la ciudad. Con el Internet y la dilución del concepto oficina, hay diseñadores y otros profesionales que ya pueden vivir donde sea, incluso en el campo, y desde ahí hacer cualquier cosa, aunque los estímulos de la ciudad siempre estarán reflejados en el diseño.
 
¿Ves alguna especie de identidad; los diseñadores de Guanajuato y Querétaro se parecen en algo?

Yo no veo una identidad, lo que veo es que se intenta copiar una identidad que existe en otro sitio, y que tal vez ni sea auténtica. México tiene una vasta tradición formal prehispánica y posthispánica, y eso explica un poco la falta de conceptos funcionales en el diseño, es decir, muchas veces el concepto es la forma misma. (Comparado con países de sociedades ultra racionales y aburridos como Suiza, en donde el diseño es casi opuesto al de aquí.) La mayoría de los diseñadores de las ciudades grandes siempre están copiando o reinterpretando lo que ven en revistas y en la web, cosas que se producen en Londres, NY, Tokyo. Piensan que eso es estar a la vanguardia. Ignoran el brief, su condición local, su responsabilidad con el tiempo y el espacio.
 
Aunque, como dices, no existe una personalidad clara del diseño hecho en el Bajío, sí existe por acá una discusión latente y creciente en torno al diseño, ¿no crees?

El ascenso de la clase media (en todo el mundo), la necesidad cada vez más grande de los commodities, el crecimiento del turismo, la exploración cada vez más fácil de nuevas gastronomías, el acceso electrónico a todo tipo de medios, todo eso incita un boom de diseño, pero no directamente de la calidad sino de la cantidad. Las personas, todas, valoran cada vez más el diseño porque cada vez más tienen más exposición a él. Es un cambio casi invisible. Estaría muy bien que comience a pasarle al diseño –y a todos los servicios– lo que le está pasando a algunos productos como la cerveza, el pan o los maratones: que se hagan locales, que el consumidor encuentre placer en consumir algo de su región, de sentirse parte de un círculo, no de una línea.
 

Espacios y tiendas de diseño

Nos emocionamos, por supuesto, pero no tanto por el premio como por el reconocimiento. Y es que esa palabra –reconocer– es una de las bellas que tiene esta lengua. Para empezar, es palíndromo, es decir, la propia palabra abre una ventana hacia adentro y se reconoce a sí misma. La palabra cobra sentido no cuando se lee de ida, sino cuando se lee de vuelta; cuando se relee. «No se trata tanto de ir como de regresar, es decir, de recordar», decimos por acá. Quizá por eso, por ahí de junio de 2010, uno de los nombres finalistas que teníamos para la revista era anilina.

Asimismo, de cierta forma, reconocer significa conocerse en el otro. El yo adquiere sentido cuando escucha que alguien le dice tú o lo señala como él; cuando alguien lo reconoce. Por eso no nos emociona tanto el premio como el reconocimiento, pues el reconocimiento significa:

• No los 258 artículos que hemos publicado aquí, sino las 103,773 visitas que hemos recibido y los 380 comentarios que nos han dejado.
• No los 287 correos que hemos enviado, sino las 178 cartas que hemos recibido de parte de los lectores.
• No las once ediciones que hemos hecho, sino las once veces que alguien nos ha encontrado.
• No lo que escribimos, sino lo que el otro lee, pues es lo que el otro lee lo que en realidad escribimos.
• Y no el Premio Quórum, sino los lectores que recibimos gracias al Premio Quórum.

Así como la luz cobra sentido cuando se refleja –una imagen que se revela–, esta revista existe en la medida que el otro la reconoce. Por eso estamos emocionados. Y agradecidos.

Y ya que estamos en esto, aprovechamos para reconocer y agradecer a nuestra diseñadora: Denisse Piña, al taller que nos hace: Sé, taller de ideas, y al otro que nos define: tú. Gracias.
 

Viendo que tenemos buen gusto en tenis –o por lo menos un gusto ampliamente compartido– te presentamos ahora la selección del calzado urbano –y veraniego– que le gusta a Sada: los tenis que puedes utilizar para una entrevista laboral o bien, para salir de picnic con tu bombón.

Pero antes, una aclaración: aunque no aparezcan en esta breve lista, los DeLorean siguen siendo nuestros tenis favoritos. No los incluimos aquí porque por estos lares hablar de tenis y mencionar a los DeLorean es casi un lugar común.

En fin, van aquí diez pares para esta temporada:

1 > Converse Chuck Taylor All Star x M83

Disponible tanto para damas y caballeros, Converse presenta su colaboración con el grupo electrónico francés M83 en una edición únicamente disponible a través de su sitio de web. Ver.

2 > Adidas x Opening Ceremony Boat Swim Shoe

Para conmemorar los Juegos Olímpicos Londres 2012, Adidas colaboró con Opening Ceremony para producir este par que combina distintos estilos y materiales, como el canvas, la suela atlética, la malla y las agujetas elásticas. Ver.

3 > Onitsuka Tiger California 78 OG Vintage Summer 2012

La nueva colección de Onitsuka vuelve a introducir su modelo California 78 OG de los 70s. Varios colores y estilos estarán disponibles en los distribuidores oficiales Onitsuka Tiger. Ver.

4 > Unmarked Dessert Boot Banana

Unmarked es una marca que produce zapatos artesanales en México. Estas botas están fabricadas con una combinación de piel y gamuza. Como todos los zapatos de Unmarked, están numeradas individualmente. Ver.

5 > Atheist Berlin Goody-2-Shoe (Ich Bin Atheist Sole)

Un pequeño grupo de amigos se reunieron en Berlín para crear la primera línea de zapatos ateos. Están hechos completamente a mano en Portugal, pero lo interesante es la suela que en cada paso deja apreciar la leyenda «Ich Bin Atheist». Ver.

6 > Panam x Molotov

Para conmemorar el estreno del documental Gimme tha Power y el disco Desde Rusia con Amor de Molotov, la banda colaboración Panam para producir una pequeña colección. Ver.

7 > Play Cloths x PRO-Keds Royal CVO (Navajo Dress Blue)

Las marcas Play Cloths y PRO-Keds tomaron inspiración de diferentes culturas. Textiles hawaianos, militares y aztecas son utilizados para aportar tradición y color a esta moderna silueta. Ver.

8 > 380g Black Cut-out Leather Sandal

El modelo 380g de Gram aparenta ser un zapato de vestir, pero su suela liviana los hace muy adecuados para cualquier ocasión. Para este verano Gram decidió convertir sus famosos zapatos en sandalia para mayor comodidad. Ver.

9 > Royal Elastics King Warhol Hi Flowers

La Fundación de Andy Warhol y Royal Elastics crearon una serie que rinde homenaje a la trayectoria de Warhol y su iconografía. El modelo King esta limitado a 960 pares y el print se modifica con cada par. Ver.

10 > S2A x Rivieras Dark Zelko Women

Hechos en España, estos zapatos slip-on combinan un diseño bordado de varias tonalidades que se contrasta con una suela negra de caucho. Ver.

Un viaje a los íconos de cada ciudad que sirvieron de escenario para las creaciones de innumerables escritores, pintores, músicos y cineastas.

Ya sea comparando el romanticismo de Amélie Poulain contra el de Carrie Fisher y sus zapatos de tacón, el baguette contra el bagel o el expresso contra el café americano, el blog nos muestra con diseños sobrios el estilo de vida y la cultura popular de dos destinos llenos de inspiración y tendencias.

Visita parisvsnyc.blogspot.com en tus ratos de ocio y compara estas dos grandes ciudades. ¿Para ti cuál gana, París o Nueva York?